Comenzamos con la serie denominada Sketchbook 2013. Un sketch book es un cuaderno donde, por norma general, los diseñadores, artistas, dibujantes, realizan bocetos o borradores o dibujos finales de aquello que les viene a la cabeza en ese momento y que quieren plasmar instantáneamente a través de un lápiz, bolígrafo o similar. Se puede resumir como un cuaderno de apuntes gráficos.

Sketchbook 2013 de Pez Artwork contiene una serie de dibujos con unos ingredientes que lo hacen espectacular.

Este es un ejemplo de la virtuosidad de Pez Artwork con los lapiceros. La calidad del dibujo no deja lugar a la duda, la definición, el detalle, la finura con la que elabora las formas, sombras, proporciones... un trabajo exquisito. Además, hay que añadir el volumen que consigue otorgar al dibujo, de hecho parece que está hecho en 3D, salta del papel.

Otro ejemplo de los dibujos a mano alzada incluidos en el portfolio de Sketchbook 2013. Creatividad en estado puro al trasladar la acción del dibujo a la realidad, personificada en las pompas de jabón que parecen caer sobre el protagonista de la composición. De nuevo, la calidad del trazado es excepcional, los matices en escala de grises son de un auténtico virtuoso del lapicero. Consigue transmitir ese ambiente dramático, apocalíptico con los destrozos del traje, aspectos muy estudiados en la escena.

El siguiente trabajo, también es un dibujo a mano alzada encuadrado dentro en la serie "The Endless Faces" correspondiente a unos retratos realizados con lapiceros de 300 gramos y, como curiosidad, su autor señala que emplea unas 30 ó 40 horas en la creación de cada uno de ellos, ahí es nada.

Estas creaciones tienen un tamaño muy superior a las vistas en Sketchbook 2013, el que está justo encima de estas líneas es el retrato de Edena. Siguiendo la línea vista hasta ahora, una ilustración cargada de expresividad con tintes gore, parece que la cabeza ha sido arrancada de su cuerpo, incluso la piel del rostro se desintegra, mezclando la belleza de la protagonista con el caos. Impactante cómo consigue mostrar la osadía, el erotismo, la destrucción en la cara de la mujer, esos ojos miran desafiantes y deseosos al observador.

La temática surrealista y/o abstracta aflora en muchas de sus creaciones, aspecto que refleja y combina magistralmente con el resto de atributos.

Este trabajo titulado "Laugh now, cry later" está realizado en Photoshop y es un claro ejemplo de que Pez Artwork domina el diseño digital tanto como el dibujo a mano alzada. Con esta obra continúa su estilo previo de composiciones abarrotadas de elementos, barrocas, con tintes surrealistas y caóticos. Muchos mensajes en una sola imagen, la cual hay que analizarla por partes para poder asimilar todo su argumento. Los colores oscuros (caos) son protagonistas junto con los amarillos dorados, aportando un efecto visual llamativo y original. Estamos en el caos pero con luz...

Arte digital e ilustración dan forma a este trabajo lleno de color y misterio. La protagonista mimetiza a la perfección con el ambiente, la gama cromática en tonos morados y verde azulados imprime una aura mágica propia de mundos fantásticos. Otra vez destacamos el rostro de la niña, silencioso, callado y a la vez cargado de expresión con esos ojos y esa mirada hipnotizantes. Nos recuerda en algunos detalles a los dibujos manga por los largos cabellos, el color de la melena, grandes ojos, etc.

Por último, Pez Artwork realiza ilustraciones sobre distintos soportes al papel como guitarras, tablas de skateboard, etc.

Esta es una customización de una tabla de skateboard al estilo Pez Artwork. El título de la misma es "Art is my fucking religion" y nada más lejos de la realidad puesto que desprende creatividad y arte todos y cada uno de los trabajos analizados, y este no va ser menos. Dibujo, tipografía, ilustración, todos elementos creativos que Pez Artwork combina para recrear un universo "surreal" dominado por tres calaveras, una de ellas con un aro como si se tratara de un ángel... Formas voluptuosas, trazos y más trazos en tonos blancos que hacen de soporte a la tipografía que desprende colorido y fuerza por doquier.

Un estilo muy a tener en cuenta.

Su trabajo es extenso, pero nosotros nos vamos a centrar en sus creatividades de animales y su proyecto "The Paper Fox" ya que es lo que más ha llamado nuestra atención. Como apuntábamos anteriormente, la realidad de las creaciones es tal que cuesta creer que estén realizadas por odenador y queden resumidas en eso, ilustraciones gráficas.

Estos personajes pertenecen todos a su proyecto "The Paper Fox" para el que tuvo que vender las láminas finales así como merchandising para poder finalizarlo y proceder a su difusión. Todo esto podía hacerse a través de una tienda online que ya no se encuentra operativa.

Como vemos, la realidad es mayúscula y por ello comentamos que es difícil pensar que son ficciones porque el tratamiento de las sombras, de los pliegues, desenfoques, distancias, es buenísimo. Y cómo no, sin olvidar la reminiscencia origami que plantea, la textura, la recreación de la superficie de papel tiene una calidad altísima.

Evidentemente, antes de crear estas figuras ha tenido que estudiar con detenimiento los cuerpos de los animales y ha sabido aportarles ese toque propio de las películas animadas, con unas características singulares pero sin perder el perfil real. Puede que sea yo, pero me encanta el gesto de la cara de estos animales, con esos ojos inexistentes hundidos en los pliegues del "papel" caracterizados de manera simpática, atractiva, de hecho no hay que olvidar que son personajes para un juego de niños.

Los insectos también están trabajados con detalle, intentando reflejar en la medida de lo posible el insecto real. EL factor postural es relevante en todos estos diseños porque aportan realidad al conjunto. Animales o insectos en actitudes mal planteadas pueden desbaratar el resultado del trabajo y ofrecer un acabado que derive en fracaso. Este no es el caso, todo lo contrario, el efecto plasmado es casi perfecto a pesar de estar diseñados como figuras de papel tienen una gran similitud con los reales. Incluso en la lámina que continúa, vemos el escorzo de la trucha al saltar sobre el agua, por eso consideramos que ha tenido que invertir buena parte de su tiempo en conocer de cerca los animales de su historia.

A continuación, el video presentación del juego "The Paper Fox" descargable para iPad en la Apple Store.

Una verdadera gozada poder contemplar esta "unión" del origami con la técnica 3D digital.

Por último, hemos visto en su blog que Jeremy Kool está trabajando en otros proyectos muy interesantes que se alejan del papel pero que interpretan otras texturas de manera increíble como metales, óxidos, a través de robots. Una excelente oportunidad para continuar "vigilando" los trabajos futuros de este artista digital.

Como hemos visto en otros autores, las situaciones de conflictos bélicos, penurias, destrozos, han servido como fuente de inspiración para desarrollar obras de arte como forma de expresión. Los "animales" de Michihiro Matsuoka son un reflejo de la sociedad en la que vivió repleta de situaciones difíciles, destrozos y chatarra por doquier. Una fuente de inspiración a la que añadimos las tendencias estilísticas propias del steampunk o ciberpunk y ciertas pinceladas del mundo manga.

El steampunk es una corriente artística que recorre géneros como la literatura, el cine, la escultura, con una estética basada en la ciencia ficción aplicada a la tecnología de vapor. Es propia de autores como Julio Verne. Parece que Michihiro Matsuoka se ha dejado influir por esta tendencia y así, sus personajes, muestran "armaduras" de hierro similares a los fuselajes de los trenes a vapor de la época victoriana. Aunque no debemos olvidar que la arcilla es el componente principal de las figuras y también la recina, pintura y pigmentos, por lo que el efecto de materiales como el hierro y la forja están logrados de manera magistral.

Acompañando a la estética retrofuturista, encontramos ciertas reminiscencias al estilo manga y anime japonés. Personajes extraños, animales, con armaduras o corazas que viven en universos surrealistas y abstractos. Las gamas cromáticas son en su mayoría colores óxidos y tonos calderas que aportan ese matiz retro y de objeto o cosa muy usada, creando un atractivo espectacular.

Michihiro Matsuoka apuesta por la creación de animales con gesto simpático identificado en esos ojos propios de las salamandras y en la sonrisa que parecen mostrar muchos de ellos. Por lo general, se asemejan a seres anfibios, conejos e incluso caracoles, todos provistos con una especie de escapes o chimeneas por donde respiran, volviendo de nuevo a la tecnología de los instrumentos a vapor futuristas.

Retrocediendo unos cuantos post de nuestro blog, encontramos a autores como J. Shea y Brian Marshall con unos trabajos muy parecidos a los de Michihiro Matsuoka. Mezcla de personajes imaginarios, mundos ficticios, provistos de vestimentas réplicas de armaduras y alcanzado un umbral cercano a la caricaturización identificada en la exageración de los ojos, de las bocas, de las extremidades, etc.

Especial el detalle con que han sido elaboradas las figuras, la calidad en la exposición del movimiento nos traslada a situaciones ingrávidas con seres volando en compañía o de manera solitaria. La calidad del acabado es buenísima y el aspecto está realmente logrado.

Un auténtico placer haber descubierto la obra de Michihiro Matsuoka.

Como si de una ilustración se tratara, o un trabajo de diseño gráfico, Jenni Juurinen crea composiciones sorprendentes aplicadas a la decoración de interiores, mobiliario, etc, como si fueran obras representativas de bodegones modernos.

Como cabe esperar, Jenni Juurinen desarrolla su trabajo para una revista de decoración llamada Deko donde ocupa el puesto de estilista y style director. Además, tiene un blog propio con unas propuestas excelentes (Liitle Helsinki) y es colaboradora en otro blog más (Scandinavian Deko). No es de extrañar que un trabajo de esta factura tenga varios escaparates impresos y que sean demandados para el mundo del cine, teatro y televisión, además de revistas.

Trabajos a primera vista sencillos, pero donde los pequeños detalles están cuidados minuciosamente. Este ejemplo en concreto es fascinante por la similitud de las composiciones, buscando simetrías entre un "mundo con alimentos" como protagonistas y el mismo mundo recreado con partes del mobiliario de casa como sillas, mesas, lámparas y alimentos. Es genial el acierto en el uso de las gamas cromáticas, de la luminosidad, sombras, parecen auténticas creatividades gráficas.

De nuevo, prioridad en el cuidado de los objetos, de su alineación perfectamente estudiada, cada elemento tiene un lugar definido. Interesante el uso de los colores, haciendo alarde de un gusto admirable en la integración de los muebles y el entorno del habitáculo, adaptando la estética de cada uno con el resto, llegando con ello a generar un ambiente que podemos respirar, incluso hasta tocar. Las distancias y perspectivas están perfectamente estudiadas por su colocación y por el manejo de las luces.

Vivan los colores... Jenni Juurinen domina, además de la decoración y los materiales, las tendencias en moda que desfilan por las principales pasarelas y lo consigue plasmar en sus creaciones. Objetos perfectamente distribuidos, colores adecuados que conviven de maravilla y, lo mejor de todo, que consiguen captar la atención del lector y que éste diseñe esa misma presentación en su hogar o lugar de trabajo. Es decir, trasladar el concepto del papel a la realidad generando la necesidad del interesado.

La facilidad con la que inventa atmósferas en sus "decorados" es admirable. En el ejemplo de la parte superior, el lienzo es un papel de color marrón, el mismo que empleamos para envolver cosas y, en cambio, ella consigue darle ese toque especial, mágico, para que se integre a la perfección con el resto de elementos. Nos topamos con diversos ingredientes que aportan un resultado brillante: estilismo, decoración, moda e imaginación. Como vemos, introduce formatos de distinta categoría en la escena, desde mobiliario hasta prendas de ropa pasando por elementos decorativos para la casa, pero siempre manteniendo esa línea estética fina y cuidada, nada desentona, todo está situado en un lugar correcto.

Hacer fácil lo difícil. Es muy complicado plantear un producto como una tela o una alfombra de manera creativa y original, de modo que en un sólo vistazo genere un impacto de calidad. Este el caso que presentamos después de estas líneas, donde Jenni Juurinen crea un mundo imaginario, propio de Alicia en el País de las Maravillas, protagonizado por una mujer que "teje" los telares con unas agujas exageradamente grandes sobre una silla poco convencional por su tamaño. Ha creado un "cuadro" fantástico, dotando al producto de un atractivo sobresaliente.

Siempre cuida el volumen bien a través de las distancias de los objetos entre sí, a través de las luces y sombras, o bien de las perspectivas.

Jenni Juurinen un trabajo cuidado y original, creatividad y estilo a raudales.

La exposición está dividida en diversas secciones que engloban momentos concretos de historia y artistas que fueron representativos en esas circustancias. Entre otras, distintguimos las siguientes secciones de la exposición:

Historia: un breve resumen de la caída del país francés en manos de los nazis en breve tiempo. "Trabajo, familia y patria" era el lema que recorría las calles galas durante este asentamiento. Todos los sectores sufrían la situación, en especial jóvenes y medios de comunicación.

Gusto Oficial: como es de suponer, toda expresión artística está sometida al régimen, cualquier medio de comunicación o estilo artístico deben seguir las directrices impuestas por Hitler. Los grandes autores son utilizados a propósito para transmitir serenidad y buen hacer, con lo que las obras figurativas continúan con pie firme.

Esta obra pertence a Marcel Gromaire y, como podemos observar, los protagonistas son figuras humanas representativas de las labores del campo para los hombres y las labores de compra y limpieza de las mujeres. Los quehaceres diarios.

Los Surrealistas: el movimiento surrealista intenta imponerse con la primera Gran Exposición Internacional de Surrealismo celebrada en París. La mayoría de los artistas presentes en esta exposición se verán obligados a sobrevivir en la clandestinidad desde donde intentarán dejar volar su maginación y "hacerle frente a la guerra" a su manera.

Obra de Paul Delvaux, un ejemplo de obra surrealista que también se expuso junto con el resto de obras surrealistas que hemos comentado. Desnudos nada obscenos y ambientes sutiles crean una atmósfera delicada, suave, fina. Usualmente, estas obras están cargadas de simbolismos relacionados con la actualidad en la que se encuentran sus autores, caso de los lazos o de la calavera situada en el suelo, en la parte inferior derecha del cuadro.

En los Campos: la vida en los campos de concentración de Francia, donde eran confinados hombres, mujeres y niños, inmigrantes de la Guerra Civil Española y de las Brigadas Internacionales, así como alemanes afines y no afines al régimen de Hitler, franceses, presos comunes y un largo etcétera. La vida en los campos era terrible y por eso planificaron tareas como acudir a clases, practicar deportes, creación de obras de arte...

Anton Räderscheidt es el autor de esta obra de matices abstractos, donde las mujeres sin rostro son las protagonistas de la composición. Parece representar el momento de la incineración a la que eran sometidos los condenados en estos campos de exterminio. Una forma de contar la barbarie que estaba ocurriendo de puertas adentro.

Exilios, Refugios y Clandestinidad: como en cualquier guerra y dominación, muchas personas no quieren someterse al régimen o dictadura que corresponda y deciden vivir clandestinamente, moviéndose con sigilo de aquí para allí pero sin poder salir del país. En ese anonimato, continúan creando obras de arte con nuevas inspiraciones relacionadas con la guerra y sus protagonistas.

Los artistas cansados de huir reflejan en sus obras su malestar por la nueva situación y lanzan sus críticas a través de ellas. En este caso, Joseph Steib muestra un Hitler burlesco, de rasgos paranoicos y disfrazado como un ángel... Un claro ejemplo de repulsa a la situación que viven.

Maestros de Referencia y Jóvenes Pintores de Tradición Francesa: los grandes maestros, caso de Picasso (exiliado de España), Matisse, Bonard... tendrán que esperar a que acabe la ocupación para enseñarle al mundo la obra que han creado durante los años de la guerra. Además, nacen nuevos creadores o artistas que quieren conjugar la vanguardia de la creatividad francesa con la política nazi de control y reorientación ideológica de toda la sociedad.

Pinturas de colores muy vivos, con ligeros toques abstractos intentando romper con el arte de la época.

Picasso en su Taller: los años de Picasso en este período fueron los años de reclusión, sin salir de su taller, observado cada uno de sus pasos por la Gestapo y los propios franceses. El punto final llega con la censura que recae sobre su obra. La respuesta de Picasso no tarda, en forma de nuevas obras de arte, pintura, escultura, escritos, no para de crear y crear.

Las obras de Picasso nunca podrán pasar inadvertidas por esa mezcla de surrealismo, modernidad y simbolismo. Mujer sentada en un sillón, tal vez refleje su propia persona vetada a cualquier tipo de acción, creación, es su particular forma de increpar al régimen.

La Galería Jeanne Bucher: una de las pocas galerías de arte que continuó fiel a sus principios y decidió seguir apoyando a los artistas considerados "degenerados" por los alemanes, pese a los problemas que ello conllevaba. Jean Bucher ayudó a los hijos de los exiliados así como a los internados en los campos y a los artistas amenzados.

Campos Y Cárceles: los campos fueron creciendo en número de ocupantes y en condiciones de pobreza, precariedad y suciedad. A las personas internadas, prácticamente ya no les quedaba nada donde agarrarse, aunque la creación será una de las pocas que pueden elaborar, eso sí, en condiciones muy adversas debido a la escasez de materiales.

Las temáticas suelen basarse en recopilatorios de sus actividades diarias dentro de los campos de concentración y expresando lo que pasa por sus mentes, su anhelo de libertad, de amor... Esta obra de Charlotte Salomon es un claro ejemplo, donde un hombre y una mujer parecen mantener una discusión acerca de las igualdades de los refugiados. Las tramas, las formas, los colores son muy básicos, reflejo del poco material con el que contaban.

La Liberación: después del calvario nazi, la liberación regresa por fin al país, y las imágenes y representaciones de época materializan escenas de la pesadilla que acababan de pasar. Una nueva era y con ella la celebración del Salón de Otoño donde los protagonistas serán el arte moderno y, sobre todo, Picasso. Hasta la Iglesia cede ante este tipo de arte.

Distensiones: después del dolor y de la oscuridad, el efecto es totalmente contrario. Vuelven a emplearse técnicas totalmente contradictorias con lo que había establecido el régimen, formas de pensar, de actuar. Y, además, se extrema al lado contrario de manera exponencial, intentando retar al régimen anterior con vertientes agresivas y diferentes a lo que ellos impusieron durante esos años. El cuerpo y la materia en su estado denso son los ejes de la creatividad.

Los Anartistas: esta corriente surge con la idea de volver a los pensamientos originales a través de los mitos, del origen, de lo salvaje. Es una rebelión que difiere de cualquier estilo artístico visto hasta el momento. Mostrar la realidad sin tapujos, sin maquillajes.

Estas son las secciones que podemos encontrar en esta interesantísima exposición que el Museo Guggenheim de Bilbao nos invita a descubrir. Conocer el arte y su evolución en un entorno hostil, bajo la peor dictadura de la historia de la Humanidad.

A continuación, os dejamos el vídeo publicitario de la muestra:

(Todas las imágenes pertenecen a la web del Museo Guggenheim de Bilbao)

Entre sus clientes encontramos a New York Times, The Fader, GQ, Festival Internazionale del Cinema of Rome, etc.

Con un estilo tan particular como llamativo y atractivo, Sarah Mazzetti presenta una serie de trabajos de temáticas distintas, en ocasiones muy cercanas a la psicodelia apoyada en personajes extraños, surreales, de trazos sencillos y planos. Algunas de las ilustraciones nos recuerdan a los famosos dibujos animados de la MTV Beavis and Butthead.

Este es un póster realizado para una fiesta en el Club Locomotiv de Bolonia. Las protagonistas son tres mujeres, de caracteres muy simples como apuntábamos anteriormente. Parecen creaciones sin un diseño muy trabajado, descuidado, aunque precisamente ese aspecto es el que llama la atención del observador, empleando con maestría los colores blanco y negro que le permiten adecuar el conjunto en proporciones y aportarle un argumento tangible.

Esta fantástica ilustración, contrapuesta al 100% a la anterior, es un claro ejemplo de la versatilidad de su autora a la hora de imprimir estilos de diferente índole. En concreto, es un guiño al león presente en la bandera de Leizpig disparando tres balas por su cola a modo de estar "quemando los últimos cartuchos" de estancia en ese país. Sarah Mazzetti realizó su residencia en Spinnerei, una pequeña localidad de la citada región, y como agradecimiento a esa etapa creó esta ilustración que reza "The Leizpig Days Are Over" (Los días en Leizpig han acabado) Formas planas, muy geométricas pero considerablemente atractivas, con expresiones llenas de fuerza. El uso de los colores y las variadas tipografías es magnífico.

Los monstruos del Club Locomotiv de Bolonia. Son unos pósters de 1.5 metros de altura que vienen a representar a las especies que podemos encontrarnos por las noches o en aquellas que podemos llegar a transformarnos en función de nuestras personalidades. Apasionante el estilo surrealista que imprime en estos personajes, animales sacados de pesadillas, psicodelias, y a la vez cómicos, divertidos.

Food Chocolate Design es una propuesta que pretende reunir bajo el mismo marco a una serie de pequeños productores de alimentos, blogueros de gastronomía y diseñadores. 16 diseñadores participaron creando ilustraciones relacionadas con una receta de comida y además cada uno debía rediseñar una letra para crear una especie de alfabeto del gusto. Sarah Mazzetti fue la encargada de diseñar esta receta con pasta, chocolate, pimienta, sal y queso. Las manos son las protagonistas de la acción rodeadas de líneas irregulares. Los elementos que sí permiten una interpretación más clara son las manos y la pasta, desde la cesta de la compra hasta su presentación en el plato. Tal vez sea el verdadero objetivo de la composición, centrar la atención en ellos.

A continuación, este es un vídeo de Sarah Mazzetti que presentó para el festival Fuochi Fatui de 2012 donde resume muy bien el estilo de sus creaciones, con colores muy llamativos, formas simples y planas:

HI-NITE-BYE from sarah mazzetti on Vimeo.

Analizando el portfolio de Chenoa Gao descubrimos distintos trabajos relacionados con la ilustración y tipografía de excelente factura con un protagonista: el color.

Este es un claro ejemplo de su estilo. Una ilustración repleta de colorido y con un mensaje indirecto bastante relevante: los golpes del amor. De una manera bastante sutil y creativa, muestra un argumento interesante. La acción es dinámica y realista, los escorzos y posturas de los personajes han sido realizados con un resultado convincente.

Un trabajo encargado con motivo de la celebración de un evento de cómics (Stratus) en The Ayden Galley. Simula a la perfección el estilo de dibujo propio de las tiradas de cómic donde los trazos de las figuras suelen ser bastante uniformes y sus coloridos no rellenan las formas por el todo. De nuevo, nos sorprende el efecto de movimiento que vemos en las nubes y, cómo no, sus gamas cromáticas llamativas.

You Are The Key to My Heart, ilustración y tipografía perfectamente integradas en la composición. La tipografía es en sí misma parte de la figura principal (llave) con lo que el resultado es sensacional, adquiere mucha relevancia. Por supuesto, el estilo tipográfico congenia y se adapta a la perfección con la silueta de la llave, es decir, una forma alargada y cabezona, exactamente igual que las letras mayúsculas del título. El fondo de color caldera simula una textura de papel de pared, desgastada, propia de épocas anteriores donde se empleaban este tipo de llaves.

Este cartel es un diseño en honor a los 200 liquidadores que acudieron voluntariamente en grupos de 50 para intentar controlar el desastre nuclear ocurrido en la central de Fukushima como consecuencia del tsunami del 3 de noviembre de 2011. Un trabajo que cautiva, con una pequeña imagen y una serie de palabras. La imagen puede interpretarse como el efecto de la radiación y del desastre sobre el sol al que deshace con su toxicidad mortal, este sol puede referirse al astro o al motivo principal presente en la bandera japonesa. La tipografía plasma fortaleza, decisión, seguridad, firmeza, propia de la cultura japonesa y de la mentalidad de esos valientes decididos a jugarse la vida por salvar la de los demás.

Además de todos estos trabajos impresos, Chenoa Gao también realiza adaptaciones en otros formatos como prendas de vestir o carátulas de discos de música como el siguiente:

Interesante el sello de identidad que imprime en este trabajo, con formas geométricas, lineales, surcadas por tipografías voladoras. De nuevo, gamas cromáticas llamativas (aunque un poco más suaves) pero con ese matiz de desgaste y contraste que la hace tan atractiva.

Por último, hemos encontrado este trabajo de Chenoa Gao que brilla por su originalidad. Se trata de una serie de "bigotes" para el evento Mous4mov de Republic, para lo que diseñó, ilustró e imprimió una serie de simpáticos dibujos que más tarde plasmaría en corbatas de color negro de la firma Indochino. Por supuesto, los "protagonistas" destacan por su llamativo color azul verdoso.

Chenoa Gao, ilustración y tipografía en estado puro jugando con intensas gamas cromáticas.

En muchas ocasiones, investigas, observas, descubres trabajos en libros, exposiciones, incluso en carteles de exterior que brillan por su calidad y buen acabado. Si os gusta el estilo vintage adaptado a tipografías e ilsutraciones Adam Hill es un buen ejemplo a seguir porque seguro que os sorprenderá.

Independientemente del cliente, en un mismo proyecto diseña y desarrolla diferentes formatos tipográficos, cromáticos, pero con el mismo mensaje y concepto. Es una de las virtudes de Adam Hill, adaptar un concepto a diferentes estilos sin perder una pizca de su atractivo. Posee denominadores comunes como las formas retro, la estructura gráfica de los diseños estilados de forma clásica, vintage.

Claro dominio del volumen de las formas o, al menos, de la apariencia de las mismas. Así lo vemos en este detalle donde el juego de colores y luces y sombras está trabajado con detenimiento y mimo.

Este es un póster conmemorativo para el estudio de tatutajes Wildfire Tattoos donde el autor pretende demostrar la buena relación entre los tatuajes y el rock&roll. Sensacional el trabajo con los elementos icónicos, los conceptos protagonistas del mensaje, el cable que "da vida" a la guitarra, es decir, el enchufe, va conectado a un dispensador de tinta que se emplea para dibujar los tatuajes en la piel. O lo que es lo mismo, la energía de la guitarra fluye del tatuaje, y la tinta del tatuaje proviene de la guitarra, del rock&roll. Por lo que llegados a este punto, descubrimos que, además de ser un fenómeno con la ilustración y tipografía, Adam Hill es un creativo sobresaliente, aporta a sus proyectos dosis de creatividad razonable, que podemos explicar. El objetivo del cartel de mostrar el "buen rollo" de tatuajes y rock&roll está más que superado.

La ilustración superior es un diseño para camiseta que nos traslada a los mundos del mismísimo Julio Verne por el estilo de los personajes y del dibujo de la composición. Todos los elementos emplean el mismo estilo de trazo, formas sencillas, vectorizadas, pero cargadas de movimiento y dinamismo. De nuevo, su carácter retro nos lleva a los carteles de los años 50 y 60, las medusas parecen seres alienígeneas más propios de "La Guerra de los Mundos" que del fondo de los mares.

Esta ilustración es un encargo de la publicación Oxford American quienes solicitaban a Adam Hill un diseño relativo a lo que entendía por una vivienda del año 2050. A pesar de referirse a una fecha futura, la imagen da la sensación de ser antigua por los estilos vectorizados, formas básicas y rectiiíneas. Aunque como ya hemos comentado, todos sus trabajos tienen una fuerte carga de información, así su visión del edificio futurista es de una estructura sobreelevada debido a que las aguas cubrirán las viviendas actuales, por lo que será necesario que las nuevas estén elevadas mediante pilares.

Un canto al estilo barroco, clásico, con tipogafías voluptuosas y cargadas de detalles, de colores llamativos en contraste con el resto de la ilustración donde predominan los grises y negros. Interesante la combinación de estilos contrapuestos, como el caso de la figura femenina similar a los retratos de épocas clásicas en blanco y negro, con motivos en colores y dibujos en el rostro que parecen crear un aspecto tétrico, surreal, abstracto. Detalles como el del ojo, la nariz y la boca de su protagonista, nos hacen perdernos en la búsqueda racional que aporte un sentido al trabajo y nos acercan a mundos más oscuros. Desde luego, un resultado sobresaliente a pesar de la dificultad de mantener una concordancia con tanta variación de estilo y escenas.

La versatilidad y el estilo al servicio de la ilustración y tipografía gracias a Velcro Suit.

Partimos de una premisa común: personajes surreales, sobre fondos oscuros y con elementos extraños a lo largo y ancho de la ilustracion circular.

Hom, en verdad Huihong Huang, plasma en sus obras unos escenarios de marcado carácter bizarro con tintes surrealistas y un encanto sorprendente, ya que las escenas son amigables, cercanas, a pesar de esos contenidos un tanto trágicos y paranormales.

Una duda viene a nuestra cabeza al situarnos frente a sus personajes porque es posible que la ilustración represente los pensamientos o ideas de los protagonistas, de modo que exterioriza y hace "material" lo que se encuentra en el interior de sus mentes.

Los protagonistas son individuos pequeños en actitud pausada hipnotizados por la escena, realmente es un retrato de diversos protagonistas viviendo momentos abstractos. En la ilustración superior, vemos una nave o cohete despegando de la cabeza del muchacho en un símil de sus pensamientos puestos en la luna, en el espacio exterior, las gafas con una X en sus cristales como si el niño no viera más allá de esas imaginaciones...

En esta ocasión, parece el retrato de una niña con un collar de perlas en la boca. De nuevo, un reflejo del pensamiento que tienen muchas niñas preadolescentes de arreglarse con las joyas de su madre y Hom multiplica su sentido exponencialmente exagerando esa ilusión. Del mismo modo, puede tratarse de una ironía por aquellas mujeres que sólo piensan en los objetos de lujo, en piedras preciosas, que sólo saben hablar sobre esos temas.

Poco a poco, adquiere mayor peso "nuestra" teoría de que Hom intenta reflejar en sus trabajos la mentalidad o las inquietudes de sus protagonistas. Este es el caso del joven situado justo encima de estas líneas, con unas gafas estilo Daft Punk y música electrónica saliendo de sus auriculares, propia de jóvenes adolescentes que a todas horas vemos por las calles escuchando temas con grandes "cascos".

Por último, en esta ilustración utiliza por primavera vez un símbolo explícito de la muerte identificada en la calavera. Evidentemente, el personaje es de sexo femenino, bien una niña o una mujer, con probabilidad de que esté sin vida, simbolizando la belleza de la niña o mujer con las joyas y los complementos, personalizando el rostro con una calavera como detalle de haber fallecido.

Nos gustan, y mucho, los complementos que Hom emplea y las actitudes o gestos de los individuos en sus ilustraciones. También nos llama la atención el tinte clásico del formato de las imágenes, emulando a los retratos familiares antiguos.

En conclusión, nos dejamos llevar por la idea de que representa personas que viven momentos o situaciones concretas de su vida, buenas o malas, siguiendo esos patrones ilustrativos genéricos para todos los ejemplos: soporte circular con fondo oscuro y motivos en tonos grisáceos, en centro del asunto el protagonista representando una acción o pensamiento.

Los trabajos de Tim Boelaars los podemos dividir por logos, iconos y en última instancia por las ilustraciones vectorizadas. En general, trabajos que destacan por sus formas geométricas que consiguen definir los objetos, personas, animales y cosas cotidianas en lineas rectilíneas pero sin perder ni un ápice de atractivo.

Los logos están basados en diseños de formas simétricas, realizados en color negro sobre fondo blanco en la mayor parte de los casos, adoptando objetos cotidianos y dándoles su particular estilo rectilíneo.

Lo realmente complicado en este tipo de diseños es transmitir alguna sensación, mensaje, emoción. Son formas muy planas pero que Tim Boelaars consigue armonizar, sabe darle ese puntito que permite que destaquen.

Otra de las secciones que encontramos en su portfolio es la dedicada a los iconos, es decir, según la Wikipedia a una imagen, cuadro o representación, un signo que sustituye al objeto mediante su significación, representación o por analogía. Los iconos son las formas más simples y básicas de representar un objeto, persona, animal o cosa, siempre aportando un significado razonable y comprensible.

Formas prácticas que definen aquello que simbolizan. Este tipo de trabajos son complicados porque no emplean letras ni palabras, la imagen y esos pequeños trazos son los encargados de personalizar las letras y palabras. Personalmente, sorprende la limpieza de las imágenes, la definición y finura del trazo, de la línea. Esa "limpieza" permite entender mejor el significado de lo que representa, no da lugar a equívocos.

Por último, vemos toda una serie de trabajos ilustrativos vectorizados realmente buenos, sobrios, enigmáticos.

Con sólo echar un simple vistazo nos trasladamos a la época de los gráficos vectorizados, a los videojuegos recién nacidos como el Mario Bros de Nintendo, formas sin volumen basadas en vectores. Tim Boelaars domina a la perfección la combinación y proporción de sus creaciones, aplica adecuadamente las paletas cromáticas para destacar las partes del trabajo, aporta esa chispa que este tipo de diseños carecen.

La simplicidad es divertida, simpática, los protagonistas son personajes que tienen algo especial, la forma de los ojos y de la boca lo dicen todo, son el eje de las figuras. Muchas veces no son necesarios fuertes pinceladas de colores o acciones o movimientos de los personajes, tal vez es suficiente con elementos más básicos que muestren un mensaje sencillo y claro. Por eso, muchas marcas basan sus isotipos en este concepto, formas básicas que aporten un mensaje o conjunto de palabras de manera inherente, que quede claro a simple vista el significado de lo que muestra.

Queda más que demostrado que los vectores tienen su sitio en el diseño por mucho tiempo.

Debemos "agradecer", en el buen sentido de la palabra, el cambio que vivió Kirsty Mitchell de mentalidad ya que, al menos en su útima serie fotográfica, ha explotado el talento y la creatividad de forma contundente con unas composiciones y ambientes sencillamente geniales. Estas fotográfias se encuadran bajo el epígrafe "Wonderland" y nacieron en memoria de su madre Maureen, fallecida unos meses antes del proyecto.

Durante treinta años, la madre de Kirsty Mitchell, fue profesora y dedicó su vida a enseñar a los niños inglés a través de cuentos y obras de teatro. En el momento de su fallecimiento, todos esos niños y adultos no pudieron despedirse de ella debido a que se encontraba en Francia, en su lugar de retiro. Este punto fue el desencadenante para Kirsty Mitchell, quien decidió dejar volar su imaginación y dedicarle a su madre, en forma de fotografía, esos mundos de cuento, imaginarios, fabulosos, surrealistas y fantásticos.

Cuentos de hadas, princesas, seres circenses en mundos imaginarios. Kirsty Mitchell ha sabido conjugar a la perfección sus sueños con el entorno natural en el que realiza sus sesiones fotográficas. Un entorno en el que se siente a gusto y, buena prueba de ello, son las fotografías obtenidas. Las indumentarias y atrezzos constituyen verdaderas obras de arte en sí mismas, gracias a la inversión propia y de personas ajenas que han prestado vestuarios y objetos. La magia de los colores es sensacional, a lo largo de los meses ha ido captando las escenas que más sentido han tenido para ello. Para alguna de las tomas, la fotógrafa reconoce que estuvo varios meses persiguiendo el objetivo fijado hasta el punto de esperar la aparición de determinadas flores que sólo viven unas pocas semanas al año.

La habilidad de Kirsty Mitchell en crear ambientes únicos queda patente en cada uno de los ejemplos, collages donde ha sabido plasmar sus ideas y diseños de moda y trajes unidos a su pasión por la historia del arte y el campo inglés. Como si de mundos distintos se tratara, existen diferentes grupos de fotografías protagonizados por una sola gama cromática, es decir, mundo rojo, mundo verde, mundo amarillo, emulando a los distintos colores del arco iris. La fuerza que consigue transmitir gracias a estos ambientes monocromáticos es espectacular, creando verdaderos personajes e historias de ficción. Su estilo presenta ciertas reminiscencias a la forma de crear del director de cine Tim Burton, donde los seres que habitan sus mundos son muy similares a los que aquí estamos viendo ("Eduardo Manostijeras", "Charlie y La Fábrica de Chocolate").

Directamente salidos de los sueños de su creadora, de los cientos de ilustraciones y libros vistos, todo es fruto de una serie de situaciones que virtuosamente ha sabido llevar a la vida real. Una puesta en escena exquisita, unos vestuarios propios de una superproducción cinematográfica, una temática complicada pero que ha dominado a la perfección y mostrado con todo lujo de detalles.

No es de extrañar, que grandes editoriales y blogs de todo el mundo incluyan su trabajo en sus ediciones y publicaciones. A continuación, podemos ver un vídeo donde Kirsty Mitchell realiza una de sus sesiones fotográficas titulada "The Ghost Swift" y donde podemos darnos cuenta del nivel e implicación profesional que requiere este trabajo, preparando la escena y los personajes, con largas horas de decoración y de maquillaje del protagonista... y sólo para conseguir una imagen!!!

"The Ghost Swift" from Kirsty Mitchell Photography on Vimeo.

Echando un vistazo al portfolio de Navid Baraty lo primero que piensas es que vas a necesitar más de un post para poder estudiar con detenimiento tantos y tan buenos trabajos. En total, son 7 las series de fotografías clasificadas a cada cual de mejor factura. Nos centraremos en la última que ha realizado e intentaremos al final incluir alguna que otra instantánea de las otras series.

Esta serie, como apuntábamos en la introducción, es la denominada "Intersections" consistente en imágenes realizadas desde lo alto de los edificios en las ciudades de Nueva York y Tokyo.

La espectacularidad de la imagen es evidente debido a la altura y perspectiva de ejecución de la misma. Curiosamente, había ciertas elucubraciones acerca de cómo conseguía realizar estos disparos, incluso se habla de un cometa provista de una cámara, pero en realidad es el propio Navid Baraty quien las lleva a cabo, y con esto queremos decir que él es quien se sube a lo alto de los edificios y, gracias a una sujeción de seguridad, se asoma en la parte más alta extendiendo su brazo y disparando el botón. Impactante, llamativa, vertiginosa, son algunos de los adjetivos que definen esta creación.

Cuando hablamos de Navid Baraty también nos referimos a fotografía geométrica, ya que a través de esta serie de "Intersections" quiere mostrar las formas rectilíneas de las ciudades, de sus calles, de sus edificios, de su estructura al fin y al cabo. El cruce de las calles protagonizados por filas bien definidas de coches dan paso a las líneas alzadas de los edificios moteadas por cientos de ventanas rectangulares, y como fondo de la composición el asfalto de la carretera surcado por cientos de líneas correspodientes a los carriles de circulación, de aparcamiento, pasos de peatones, etc. Parecen esquemas repetitivos de planos esbozados por un arquitecto.

También cuenta con algunas instantáneas realizadas por la noche, multiplicando el efecto geométrico de la composición gracias a los juegos de luces procedentes del alumbrado público, los automóviles, las viviendas, etc. Según Navid Baraty, la fotografía nocturna la descubrió en Japón asombrado por la ingente cantidad de vehículos, edificios, personas, movimiento... Encontró una similitud entre las formas geométricas y la propia cultura japonesa, recta, seria, firme. El efecto de profundidad se acentúa dando mayor sensación de vacío que en las imágenes diurnas. La belleza del ambiente de noche no tiene nada que ver a sus compañeras con luz natural.

"Blizard/Rain" es la segunda serie de fotografías donde Navid Baraty retrata las inclemencias metereológicas de la ciudad, pero con una naturalidad y belleza simplemente geniales. La luminosidad, los colores, la perspectiva, de nuevo nos dejan con la boca abierta. Corresponden a momentos cotidianos de las ciudades cuando han sido azotadas por temporales de lluvia, nieve, viento, etc.

"20 Days in India" una sincera representación de un país como la India, donde los extremos sociales están a la orden del día, de la más absoluta pobreza a la clase distinguida sólo por pertenecer a diferentes castas. Las fotografías de esta serie son circunstanciales donde Navid Baraty muestra una realidad cotidiana, desde una mujer pidiendo en la calle junto a su hijo moribundo hasta un señor esperando la llegada del tren. La luz, los colores, la mirada de los protagonistas, todo está cuidado con detalle.

"Alaska" un recorrido por este estado norteamericano donde la mezcla de colores es increíble. Un reportaje fotográfico fijado en la naturaleza en estado puro que localizamos en estas tierras. La nieve, el hielo, el agua y los bosques son los protagonistas absolutos de la temática. Mágico el silencio que capta con el objetivo, el respeto hacia el medio ambiente y la magnificencia de la madre naturaleza con sus impresionantes montañas, lagos, bosques, glaciares...

"The City" está dedicada a la ciudad de Nueva York. Paisajes urbanos y humanos de las calles y edificios de la ciudad, pero vistos frente a ellos sin buscar perspectivas vertiginosas. La vida de la City es el objetivo, el día a día. Intenta reflejar los colores, los paisajes, que también tienen lugar dentro de la ciudad.

"Earth" es una serie dedicada como su propio nombre indica a la Tierra y los habitantes que se encuentran en ella. Imágenes espectaculares de paisajes terrestres, de animales, de seres humanos, todos ellos en momentos de su vida cotidiana y de interacción. Parece querer mostrar lo asombrosamente bello que es el planeta y muchos de los animales que se encuentran en él. Sobresaliente el manejo de la luz y de la intensidad cromática.

"Stories" historias cotidianas de los ciudadanos. Principalmente, cobra bastante relevancia los hechos del fatídico 11-S ya que retrata recuerdos de ese atentado exponiendo aniversarios, el dolor de las personas relacionadas con las víctimas o simples patriotas que solidarizan su dolor. Son ejemplos de gran impacto visual por la carga afectiva que guardan, sentimientos a flor de piel que plasma magistralmente.

Un trabajo fotográfico excelente cargado de belleza y sentimiento, compuesto por instantes de la vida.

Pongamos por caso, que hemos decidido cambiar los utensilios de cocina de nuestra casa y prescindimos del colador, de la tostadora, de los cazos de servir comida, de los cubiertos, etc. Nuestra intención es arrojarlos a la basura o como chatarra, pues bien, Brian Marshall encuentra en todo esto los materiales necesarios para crear sus obras de arte.

Unos seres muy simpáticos que, a pesar de estar hechos de metal, transmiten una ternura sorprendente, bien por su actitud, sus ojos, o sus muecas que esbozan ligeramente una sonrisa. Parece que despiertan la ternura de quien los está observando. Personalmente, recuerdan un poco a los personajes de la saga cinematográfica Mad Max, un mundo de caos y destrucción donde los automóviles, los camiones, las vestimentas, todo está compuesto por distintas partes desechadas de otras piezas. Así, los Adopt-A-Bots están formados por tenedores como brazos, cucharas como piernas, latas de conservas como tronco del cuerpo o los objetivos de las cámaras fotográfics antigüas...

Brian Marshall es un profesor americano de Delaware que, en sus ratos libres y de ocio, se dedica a crear estas preciosidades metálicas. Son unas obras con una carga de creatividad importante ya que es difícil poder acoplar diferentes partes y configurar estos robots de manera tan original. Para no caer en la monotonía cromática generada por el color grisáceo del metal, con muy buen criterio introduce latas de aceite e incluso comida o refrescos, para darle ese atractivo colorista a la figura.

Parece que tiene bastante cariño por los animales, en especial por los perros a los que ha denominado Dog Bots, ya que son muchas las creaciones que guardan este aspecto. Por supuesto, continúan en la línea de seres simpáticos y bonachones que hemos visto. Para estas formas, emplea cucharillas como patas, latas cilíndricas para el tronco del animal, calzadores de zapatos para las orejas y la lengua y chapas de botellas de refresco para los ojos. Evidentemente, siempre introduce alguna variación, pero por regla general estos son los principales "ingredientes".

Por último, Brian Marshall ha diseñado una pequeña serie de Adopt-A-Bots adaptados a elementos de iluminación, como lámparas, focos, pero con un estilo muy particular. Partiendo de un objeto central, incorpora una serie de brazos rematados con bombillas. El aspecto es un poco siniestro pero no dejan de llamar la atención por su originalidad. También encontramos lámparas de pie prácticas y decorativas.

Un claro ejemplo de arte con piezas desechables.

Tras varios años de trabajo en el mundo de la comunicación y diseño, Calcco ha querido ofrecer un regalo a sus clientes y a sí mismo creando esta campaña de comunicación denominada Caburé, nacida en la propia agencia y con la colaboración inestimable de algunos "colegas" de trabajo. Una bonita muestra de agradecimiento a la confianza depositada en Calcco por parte de sus clientes, y una firme apuesta por demostrar el potencial creativo y profesional del equipo.

Tras varios planteamientos y opciones válidas, el nombre escogido fue Caburé. El caburé es un pequeño animal, un ave rapaz nocturna que, según las creencias populares, atrae a la buena suerte. Dicen que poseer alguna de las plumas de este curisoso animal provoca tener suerte en el amor, en la salud y en el juego.

Para no adelantarnos, veamos con detalle las partes que dan forma a Caburé.

El packaging aporta la parte física del proyecto. Un estuche de madera con el nombre Caburé impreso a fuego en su parte exterior y una serie de frases en su interior. El protagonista principal es una botella de vidrio que contiene un sabroso orujo elaborado de la manera artesanal. La etiqueta de la botella es toda una proposición a la creatividad, el gusto, el estilo y el detalle, dando protagonismo tanto al nombre como al animal. De gran tamaño, recorre el cuerpo de la botella desde el cuello hasta el pie de la misma, dinamizando el conjunto.

Otro componente fundamental es la botella de vidrio. Sin grandes adornos, consigue llamar la atención por la simpleza de sus formas y gran elegancia resuelta en un formato rectangular que finaliza en una robusta base de vidrio un poco más estrecha que la zona superior del cuello. Permite captar la esencia del licor por su transparencia e incluso potenciar el color añejo del orujo. Finalmente, el cuello cuenta con un tapón que dispone también de su propia etiqueta, coronando el buen gusto del conjunto.

En el margen inferior del estuche encontramos un pequeño cajón con una serie de posavasos realizados en madera tallada con el motivo Caburé y con el propio animal en una de sus caras. Y, como no podía ser de otra forma, tres plumas para que den suerte al propietario del estuche.

La web www.orujocabure.com aporta la dimensión digital de Caburé. Para este proyecto, se ha diseñado un site específico, donde podemos observar imágenes de calidad del producto, entender la historia e incluso visualizar el making of del proceso de elaboración del mismo. Por supuesto, siempre se ha tenido en cuenta la labor de las empresas colaboradoras ya que sin ellas no hubiera sido posible conseguir un producto o concepto de tal alta calidad en todos sus componentes: licor, estuche, botella de vidrio, etc.

Como vemos, una página web que continúa con la estética del packaging, es decir, tonos añejos, marrones, maderas. Por supuesto, uno de los aspectos más cuidados ha sido la imagen del producto y su puesta en escena, por ello el juego de luces y sombras está cuidado con todo lujo de detalle y la presentación está basada en imágenes grandes, que muestren la belleza de Caburé.

Seis son los apartados que divide el site, con su correspondiente Home o página de llegada; la sección Proyecto donde Calcco hace una breve descripción del proyecto Caburé; la sección Caburé referente al animal que encontramos detrás de ese nombre tan genuino y las circunstancias casi mágicas que le rodean; otra pestaña dedicada a los Partners, es decir, los colaboradores del proyecto; el Making of con un vídeo de excelente factura donde visualizamos el proceso desde el inicio hasta el lanzamiento de Caburé; y, por último, la sección Contacta.

Este es el video del marking of de la campaña:

Un especial agradecimiento a nuestros colaboradores por permitir que este proyecto se haya hecho realidad: Estuchería Vargas con el estuche, IPE Innovaciones para Etiquetajes por la impresión, Saverglass por el vidrio y Vinos y Licores Renocal con el orujo.

Estamos sorprendidos del buen trabajo realizado por este creador, principalmente por la imaginación que demuestra en cada uno de sus proyectos. Una combinación de estilos explosiva que crea unas atmósferas abstractas, surrealistas, paranoicas, coloristas, irónicas... En el argumento de las obras se entremezclan varias historias, superpuestas unas sobre otras de forma inverosímil, generando una atmósfera caótica y a la vez atractiva.

Escenas exageradas, irreales, acciones imposibles. Parece como si Pat Perry quisiera plasmar los pensamientos, sensaciones, sentimientos, vivencias y experiencias de sus personajes protagonistas, creando una algarabía de nuevos personajes humanos o animales, de objetos, que forman parte de una desordenada realidad.

Este ejemplo que nos precede es una buena muestra de las influencias del graffiti de Pat Perry, el empleo de composiciones muy coloristas solapándose unas con otras. Todo conduce a crear una atmósfera rebelde, donde el cruce de historias lleva la batuta. En ocasiones, sus trabajos muestran detalles que nos recuerdan a los grandes genios de la pintura abstracta como Dalí, El Bosco, o incluso el propio Goya con la serie Pinturas Negras, mundos oscuros, trágicos, paranoicos, abstractos...

El color juega un papel relevante en su obra, así como su habilidad innata en el dibujo y en la integración de muchos conceptos y figuras de naturaleza bucólica. Su quehacer diario es levantarse y ponerse a dibujar en esos pensamientos que le rondan por la cabeza, retorcidos o no. En caso de no fluir la imaginación, desestima el intento y cuando se acerca la noche de nuevo Pat Perry se pone manos a la obra. Parecen el reflejo de sus ideas o sueños plasmados en papel, intentando mostrar mundos paralelos o realidades desconocidas.

Estos trabajos corresponden al portfolio personal de Pat Perry. No es de extrañar que las firmas hayan requerido sus serivicios para trabajos de diseño. Muchos son los clientes de prestigio para los que ha creado ilustraciones. El trabajo que nos acompaña es un encargo para la firma Altamont de ropa para skateboard. Un diseño sugerente, osado, donde los matices en color rojo animan la acción. 

Cada ilustración tiene su historia y acción. Nos gusta que Pat Perry continúe con su estilo personal a pesar de ser trabajos para terceros, continúa en su línea de mundos surrealistas, mundos imposibles, como ejes de sus creaciones.

Este colosal personaje es un trabajo para Ogilvy and Mather y un claro ejemplo del estilo único de Pat Perry. Una figura conformada por distintas situaciones, personajes, acciones, momentos, y unidas configurando un todo que no puede despiezarse, donde cada parte es fundamental para seguir en pie. Seguramente, el trabajo final esté dirigido a un cliente de la agencia relacionado con los videojuegos puesto que los protagonistas pertenecen casi todos a esta temática.

Otro de los estilos que nos recuerda un poco el trabajo de Pat Perry es el de los dibujos manga, concretamente la vertiente cuya película más emblemática es Akira. Universos caóticos, ambientes cyberpunk, donde predomina el desorden y el caos cuyos protagonistas viven situaciones tormentosas desproporcionadas. Esa carga de exageración de las formas, de surrealismo, se corresponden en ambos ejemplos.

En sus propias palabras "... es muy difícil describir el proceso y sus resultados..." en alusión al proceso creativo de cada una de sus piezas.

Por último, estas ilustraciones corresponden a la serie denominada Alaska, un conjunto de trabajos creados durante su estancia en Alaska, en el Parque Nacional de Katmai. Trabajó en el servicio del parque y sus vivencias y experiencias las ha plasmado en una serie de dibujos cargados de información y de gran simbolismo. Es admirable cómo en una sola imagen puede mostrar una larga historia.

A continuación, y como cierre del post, os dejamos un vídeo donde podemos ver a Pat Perry con las manos en la masa, simplemente espectacular el proceso y su arte dibujando:

Time-lapse Drawing from Pat Perry on Vimeo

Como sabemos, los gifs son elementos muy empleados en soportes publicitarios como los banners de las páginas web, ya que permiten el despliegue de imágenes animadas y además, la mayor parte de navegadores, soporta este tipo de formato. Son pequeños cortos de dos o tres segundos, con una serie de imágenes que al final comienzan a repetirse en una animación en bucle.

Sean Packnold muestra con este video dedicado a la historia del gif sus posibilidades estéticas y creativas.

Desde el punto de vista práctico, los gif destacan porque aportan dinamismo a cualquier publicidad, contienen movimiento y eso ayuda a captar de manera directa la atención del público. Ciertamente, se ha creado como una pequeña filosofía del gif animado, como piezas admiradas por todos y que tienen sus sitios reconocidos en internet. De hecho, con observarlos es suficiente para quedar atrapados en esa incansable serie de acciones que no acaban nunca.

Sin lugar a dudas, una de las ventajas de este tipo de imagen es que puede girar 360º, por lo que hacemos un recorrido completo de la imagen, mucho mejor que la imagen estática de un jpg. Un gif ayuda a centrar la atención, aunque por contra también puede cansar una exposición prolongada así como derivar en un pequeño mareo de la persona que lo observa. Es muy útil para presentaciones realizadas en Power Point, ya que esta herramienta de Microsoft compatibiliza muy bien con este tipo de archivos.

Este gif del hombre lobo es muy representativo ya que muestra algunas de las bondades que nos ofrece este formato como visualizar distintos aspectos de una misma cosa o persona. Imaginemos incluir los diferentes colores de una imagen corporativa, los diferentes tamaños de tipografía de un isotipo... y todo ello en tan sólo unas décimas de segundo.

Los gifs son capaces de transmitir sensaciones, sentimientos y momentos de forma mucho más eficiente que cualquier imagen simple. Por tanto, hay que invertir un tiempo considerable para establecer el instante preciso que girará de manera repetitiva.

Hay gifs de muchos tipos y temáticas como hemos visto, y profesionales especializados con un portfolio increíble de gif animados. Con un simple vistazo por la red descubres un sinfin de ejemplos:

Esta es una variante del Gif denominada "Gif-iti", su autor, llamado Insa, crea esta serie de gif donde combina la animación con creaciones grafiteras. El movimiento se incrementa de manera notable y orginal, generando divertidas y coloridas formas en un principio sin fin.

También nos han gustado mucho los gifs creados por Matthew DiVito,  distintas series de imágenes donde destaca el empleo de formas geométricas cargadas de creatividad e imaginación.

Los gifs continúan muy vivos y con una grandísima variedad y calidad. Cada vez tienen mayor capacidad de transmitir un mensaje mediante series de imágenes que se repiten en un círculo que no tiene fin, incluso cuentan con su propio festival.

Una veterana herramienta que continúa deambulando por la red.

Personalmente, nos parece una propuesta genuina y distinta a todos los proyectos que hemos visto hasta el momento relacionados con el arte en la calle o streetart. Como Richard Vermaak apunta, son seres que arrancan una sonrisa al observador por su sentimiento travieso e irónico combinado con tintes macabros identificados en sus caras (calaveras) oscuras vestimentas, gestos, etc.

No corresponden a los grandes murales o graffitis que vemos en los muros de las calles de una ciudad, todo lo contrario, son pequeñas figuras que pasan totalmente desapercibidas, sin molestar a los ciudadanos que habitamos en el mundo humano, ellos viven y actúan en su pequeño mundo, el de los Skelewags. A pesar del tamaño, la definición de los personajes es fantástica, dotando de una personalidad a los Skelewags sorprendente. Las escenas son dinámicas, divertidas, tienen argumento y generan entretenimiento.

Asombrosa la capacidad de Richard Vermaak de adaptar el soporte de la ilustración a una historia o situación protagonizada por los Skelewags. Así, en la imagen superior que tenemos sobre estas líneas, hace uso del casco de un barco para crear un infierno y un supuesto mundo real, apoyándose en los colores del casco. Sólo con echar un vistazo a las situaciones expuestas, surge una sonrisa en nuestro rostro, la composición es simpática y asombrosamente original. Las historias y el mensaje que cuentan enganchan, son agradables.

Un simple desagüe es un soporte perfecto para crear una ilustración original y ciertamente cómica, relativa a una tribu en plena danza religiosa. Sólo una imaginación desbordante es capaz de crear una temática así con ese desparpajo y esos matices humorísticos que tanto gustan. Son los clásicos personajes a los que se acaba cogiendo un cariño especial. Las calaveras son determinantes a la hora de conseguir esas notas irónicas, las escenas permiten al observador sacar sus propias conclusiones de cómo acabará la acción.

Inteligente forma de aprovechar las formas de los puntos de la calle, creando situaciones llamativas para captar la atención del viandante aunque sean de tamaño reducido. Cualquier superficie es idónea para elaborar una historia.

Otra de las series que encontramos en su portfolio es la titulada "Alice in Wonderland" donde pone en escena a los personajes de la famosa historia de "Alicia en el País de las Maravillas" de Lewis Carrol. Por supuesto, son sujetos personalizados al estilo de Richard Vermaak: el Sombrerero, la Oruga Azul, Alicia, el Conejo, el Gato de Chessire, etc.

Creatividad a raudales, personajes que interpretan a la perfección los protagonistas de la historia, adaptación perfecta al soporte, no parecen realizados en calzadas o aceras de la ciudad. Un estilo inequívoco de diseño gráfico e ilustración. Ojalá veamos por alguna de nuestras ciudades algún trabajo de Richard Vermaak porque merece la pena ser admirado.

Dentro de su portfolio vamos a destacar dos series:

La primera de ellas es la titulada "Sucker for Soccer" y consiste en una serie de 68 pósters con ilustraciones de leyendas del fútbol, histórico y actual.

Estos trabajos combinan diseño gráfico, tipografía e ilustración a los cuales imprime una gran dosis de originalidad. Es interesante el efecto del diseño estilo retro con un personaje tan actual como puede ser el jugador español del FC Barcelona Xavi. Las gamas cromáticas simulan con gran acierto los colores emblemáticos de cada jugador.

El estilo tipográfico de cada ilustración está estudiado y trabajado a conciencia. En el caso de la ilustración de Pelé, las tipografías nos recuerdan a las utilizadas en otros años, tipografías toscas y casi siempre en versalita.

Como vemos, Zoran Lucic muestra actitudes características de los jugadores o momentos clave en la historia de este deporte rey. Alucinante el carácter retro de los trabajos, los colores facilitan estos matices, las tipografías y la colocación de las imágenes también colaboran en este efecto.

La segunda de las series que más ha llamado nuestra atención es la titulada "Posters (about this and that and those too)". Parecen trabajos realizados al azar, con objetos poco relacionados sin pertenecer a un mismo argumento, pero nada más lejos de la realidad ya que contienen una fuerte carga informativa, todos los elementos juegan un rol en la composición.

Con destreza, Zoran Lucic muestra una realidad que tiene lugar en ciertos países árabes donde las mujeres no tienen derecho prácticamente a casi nada. De ahí esta ilustración, donde refleja el resultado (ojo hinchado y labio amoratado) por haber leido la revista de moda Cosmopolitan, un artículo occidental no muy bien visto por los fieles de la religión musulmana. Más aún, Zoran Lucic mete el dedo en la yaga simulando el eslogan de CocaCola "Enjoy Kuran", ya que esta empresa americana es una de las caras emblemáticas del mundo norteamericano que tanto detestan. Esta obra es una clara repulsa a una situación que ocurre en nuestros días, por ello simula el cuadro de la Gioconda, como si estuviera en el museo donde todos los turistas lo ven y nadie hace nada por remediar la situación, como si fuera un cuadro a fin de cuentas.

Ilustración del nadador estadounidense Mark Spitz que tantas medallas ganó en las olimpiadas. Impresionante cómo la tipografía nos hace retroceder varios años, ya que esos trazos fueron empleados con asiduidad en aquella época. De nuevo, magistral el ambiente creado en la composición, estilo retro.

Además de estos trabajos, también ha creado otras ilustraciones que gustan mucho como son las portadas de los discos del grupo Eleven:

Son portadas icónicas, los iconos son el centro de la composición bien en forma de objetos o bien en forma de tipografías. En general, son trabajos limpios, estructurados y trabajados.

También nos ha gustado mucho la identidad corporativa que Zoran Lucic creó para la empresa de muebles Das Holz. De manera muy original, integra en el logotipo el imagotipo de la marca que no es otro que los aros de un tronco cortado por la mitad. Está incluida en el interior de la letra O de Das Holz

Tipografía a mano alzada donde la letra O simula el corte de un tronco de árbol, incluso la superficie de la letra es similar al de un tronco de verdad (desigual). Para esta marca, también ha adaptado la imagen a distintos soportes como bolsas de tela, camisetas, papelería corporativa, web, etc.

Por último, destacar una serie de retratos de los grandes del Bebop, una variante musical del Jazz. Retratos en blanco y negro con los personajes y sus instrumentos musicales. La composición es similar, fondos blancos o negros con las ilustraciones en la parte central.

Guy Laramee

No es preciso leer páginas y páginas atestadas de palabras, las propias hojas son la base en las que el multidisciplinar artista Guy Laramee realiza sus obras escultóricas con unos resultados asombrosos.

Adam Martinakis

Para afrontar este proyecto, en Calcco teníamos clara la idea del producto: joven, dinámico, peculiar. Siete Pasos está compuesto por una familia de vinos, en total 7, de los cuales se han lanzado dos vinos por el momento llamados El Prenda y El Figura. En los sucesivos meses, aparecerá el resto de la familia con La Fina, El Importante, El Religioso, La Fresca y El Chinín. Como es evidente, sólo con las denominaciones de los vinos podemos entender el concepto de este producto, el mensaje, vinos con carácter y personalidad propia. Por ello, es nuestro deber dar forma a la imagen del conjunto.

Como mencionamos, hasta el momento los dos primeros son los que han visto la luz, El Prenda y El Figura:

El Figura (joven), aquél que en la mayoría de las ocasiones llama la atención en cualquier acción o comentario que lleve a cabo. Le gusta ser el centro allí donde se encuentre para que todo el mundo se centre en él. Ante tales cualidades, necesitábamos una etiqueta potente, es decir, que enseguida captara la mirada del público, por lo que el color era el primer detalle a definir y qué mejor forma que imprimiendo un color rosáceo en el cuerpo de la etiqueta que recorre gran parte de la botella. Por supuesto, el personaje es el clásico "guaperas" de pelo engominado, gafas de sol estilo Miami Vice y bigotillo perfectamente cuidado. Las tipografías son en color negro, excepto "Rioja" que aparece en un tono fucsia fuerte, dejando clara la denominación del producto. La cápsula color plata combina a la perfección con el resto del conjunto.

Cada botella está acompañada por una frase del personaje. En esta ocasión dice: Preciosa! Dónde tienes el botón de "Me Gusta"? Define claramente los valores del vino joven que personaliza: un vino osado, joven, fresco, afrutado, intenso...

El Prenda (crianza), por regla general, es una persona muy característica, a la que se tiene un especial aprecio, con una personalidad carismática que enseguida se hace notar. El diseño de la etiqueta debía seguir estas pautas, por lo que surgió la idea del personaje ideal en el típico motero, Harley Davidson, de chaleco de cuero, largas barbas y omnipresentes gafas de sol estilo rock&roll. Un estilo a los "Ángeles del Infierno" americanos que recorren las carreteras en sus tremendas chopper. La etiqueta está vestida por un color camel, lo que permite destacar la barba en tonos blancos así como las tipografías empleadas en tonos negros. La palabra "Rioja" está impresa en color dorado a juego con el color de la cápsula de la botella.

La frase que emplea El Prenda dice: Reina, llena la copa; parece que esté rota. Un paso más allá, vemos más carácter en el personaje, palabras desafiantes, madurez, ganas de beber.

Esta es la página web de la marca www.sietepasos.com, un site sencillo y muy visual, donde existen dos motivos principales: la imagen de los vinos y la filosofía del vino.

La imagen principal es un slide por el que discurren los personajes de Siete Pasos de modo que, cada cierto tiempo, aparece un protagonista con la posibilidad de descargar la ficha de cata en formato PDF. En la parte inferior de la imagen, una breve descripción de la idea, misión, concepto, de Siete Pasos, para situar al cliente en precedentes. Por supuesto, a pie de página, los modos de contacto y los perfiles sociales de Facebook y Twitter

La segunda pestaña permite acceder a cada personaje concreto a través de un desplegable. En cada modelo vemos el cuerpo vestido de la botella acompañado de una serie de anotaciones descriptivas del vino como Variedad, Elaboración, Cata, Maridaje y Consumo, y por supuesto la posibilidad de descargar la ficha correspondiente.

Y, por último, la sección de Contacto desde donde poder contactar con la marca Siete Pasos a través de un formulario o por otras vías como la telefónica, email o redes sociales.

Su extenso portfolio no es más que una muestra del talento de este escultor americano, que ha conseguido crear unos mundos ficticios pero con un detalle y definición abrumador. Un viaje a mundos como los que veíamos en la película "El Laberinto", "Pesadilla antes de Navidad", mezcla dramática y dulce, realidad y ficción, imaginación e historia.

Seres imposibles, provenientes de mundos irreales. En esta colección el protagonista es el aire, ya que la mayor parte de los trabajos discurren en este medio, dígase el globo, el barco volador, el personaje que es transportado por las aves... Esta serie se denomina A Feeling of Transience de 2012.

Una segunda colección es la titulada Life Form de 2011 donde parece que el protagonismo recae en las formas de vida. Mezcla de animales comunes con animales o bestias ficticias. Resulta curioso cómo la forma de las figuras transmiten movimiento pero paralelamente asociadas a actitudes serenas, dinámicas, cuentos amables, son sensaciones difíciles de plasmar con palabras. Las composiciones nos trasladan a mundos desconocidos, sus personajes son investigadores, parecen aventureros en mundoshostiles. Formas voluptuosas con extremidades muy delgadas y cabezas minúsculas son la tónica general de las esculturas.

J. Shea tiende a recrear situaciones dominadas por grandes rostros, como si se tratara de apariciones, escenas donde cabezas sin brazos ni piernas deambulan fantasmagóricamente por el aire, unos más amables y otros más siniestros. Parecen extras de figuraciones animadas surrealistas en entornos oscuros, donde no hay una gran influencia del bien... Muchos ejemplos los encontramos en esta serie denominada Bric a Brac de 2010...

Fantástica la hegemonía que plantean estos seres con esos largos extremos, ramificaciones o como queramos denominarlos. Entes mágicos que infunden temor y respeto, más aún con colores blancos inmaculados y oscuros mortíferos.

J. Shea derrocha imaginación por doquier. Observando sus trabajos, encontramos claras reminiscencias a las obras de Dalí, a los elefantes dalinianos de largas patas portando obeliscos en sus lomos. Historias simpáticas pero en ocasiones con una carga abstracta considerable. Las siguientes esculturas corresponden a la última exposición que ha realizado en Portland y que, personalmente, son las que más nos han gustado por la elasticidad de formas, mimetismo, simplicidad y complejidad de expresión...

Es más que evidente la maestría de J. Shea en el manejo de las emociones, de las situaciones, del mensaje de su obra y sus figuras. Por supuesto, un estilo escultórico refinadísimo y unos personajes capaces de trasladarnos inmediatamente a los argumentos de sus escenas y dejar que vuelen nuestras mentes.

Son distintas las propuestas del mes de diciembre para "Cubiertos de Arte" a cada cual más interesante y atractiva.

Nosotros nos vamos a dedicar a explicar un poco el sentido del diseño aplicado a la actividad.

"Alimentarte" está dirigido a niños con edades comprendidas entre los 5 y 12 años. El objetivo consiste en acercar la gastronomía a los más pequeños. Por ello, queríamos crear un personaje representativo del mundo infantil que tuviera la suficiente flexibilidad para adaptar productos gastronómicos en su propia personalidad. Cómo no, en el briefing tomó protagonismo la figura de Mr. Potato, así que dándole un par de vueltas saltó a la palestra Mr. Tomato, un personaje que aúna perfectamente los valores infantiles de un juguete con grandes ojos y muy simpático, y la gastronomía con un producto tan riojano como el tomate de huerta.

"Catartesano" son una serie de jornadas basadas en tres elementos: arte, vino y productos de alimentación riojanos. Al tratarse de diversas muestras de arte, decidimos centrarnos en aquellos elementos que son comunes a todas las sesiones, es decir, las catas de vino con varias bodegas de Rioja maridadas con productos de Rioja. Por ello, las virtudes y esencias de un buen vino no pueden degustarse si no abrimos la botella, así que el sacacorchos debía ser el protagonista indiscutible de la acción, cuyo soporte tenía la función de mostrar el producto riojano, ya que no queremos más formas o figuras independientes en la composición. Tras varios devaneos, la solución recayó sobre la Alegría Riojana ya que identificaba a la perfección las características que necesitamos por tamaño, forma y por ser algo muy nuestro, muy de la huerta riojana.

"Mercado de Sonidos" tiene lugar en el emblemático Mercado de San Blas, popularmente conocido como la Plaza de Abastos de Logroño. Un mercado de productos y la música, son los dos conceptos con los que debíamos jugar. La mejor opción era introducir uno dentro de otro y así crear una composición totalmente integrada. Por un lado, las clásicas cajas de madera o "barcas" (como se conocen aquí) donde se transporta la fruta, la verdura y hortalizas, pero, en vez de estos productos, utilizamos instrumentos musicales. Una propuesta sencilla, pero con una elevada carga emocional para todos los que queremos tanto esta ubicación.

"El Cubo de Cómic" es una de las más diferentes y originales propuestas de "Cubiertos de Arte" porque indaga en la gastronomía de los personajes de los cómic y tebeos, es decir, qué es lo que come Mafalda, Carpanta, Superman, etc. En la composición debía aparecer un supehéroe conocido por todos, el problema radicaba en relacionarlo con un producto. Descubrimos que los productos pueden asemejarse a multitud de formas o seres extraños como es el caso de la alcachofa, muy parecida a las plantas carnívoras gigantes que hemos podido ver en alguna película o cómic de ficción. Spiderman es el protagonista de dar acción y aporta dinamismo a la escena, con esa pose típica del hombre araña.

Y, por último, "La Orgía de las Verduras" una serie de siete piezas teatrales relacionadas con la gastronomía. Quisimos enfatizar el carácter teatral de la composición mediante el uso de la máscara, elemento totalmente identificativo con el arte teatral, a modo de recipiente de las verduras de la huerta, dejando ver los orificios de ojos y boca tan característicos de esta máscara. El uso de luces y sombras aporta ese carácter de misterio, drama, tragedia, tan propios de las obras teatrales.

Todos los diseños presentan un denominador común: la gastronomía. En torno a éste, se han ido aplicando distintas actividades, acciones, tareas, siempre guardando un enfoque y un estilo estético con similar criterio.

Como veremos en los ejemplos a continuación, parece imposible que estos personajes sean tan reales y no se trate únicamente de dibujos. Los más pequeños detalles, el gesto, el movimiento, parecen convivir en un entorno real, en una maqueta con seres de verdad.

Como decíamos anteriormente, el proceso de trabajo tiene tres fases: en primer lugar se dibujan los bocetos con los personajes, a continuación se recortan y pegan y colorean, y por último son fotografiados. Sobresale el impecable acabado de los protagonistas de la acción, un verdadero trabajo de paciencia y metodicidad y, por supuesto, una dosis inmensa de creatividad y visualización, ya que todo el trabajo se realiza a escala, lo que aumenta su complejidad. La gama cromática se impone en todos los ejemplos con colores vistosos y bien combinados.

Este trabajo fue realizado para un calendario denominado "Fuckopalypse", un calendario diferente donde cada mes muestra un escenario relacionado con el fin del mundo en formato A2. Este es una clara muestra del proceso de trabajo de People Too, primero diseñan las figuras, luego las recortan y decoran, las colocan en situación y por último fotografían. Las muecas de los rostros, los movimientos de brazos y piernas, los vestuarios, todo el conjunto está perfectamente sincronizado y definido, dando la sensación de ser real de manera notable.

Como cabe esperar, sus clientes son grandes empresas alrededor del mundo que no dudan en invertir en este tipo de publicidad, ya que las posibilidades que brindan son muchísimas.

Este proyecto fue desarrollado para la revista infantil Bathyscaphe, donde el sello de People Too está latente en cada una de las partes de la composición, impregnadas de colorido, realismo, dinamismo y detalles por doquier. Este trabajo en concreto, por ejemplo, destaca por el pliegue de los peinados, el gesto del adulto, el mobiliario de época...

A continuación, os dejamos algunas composiciones que imitan a artistas musicales y donde podemos observar la genialidad de estos diseños:

En su página web descubrimos un amplio abanico de proyectos muy interesantes y con bastante diversidad: diseño web, diseño gráfico, ilustración... Entre esta selección, descubrimos cosas muy interesantes:

New Adentures es un congreso anual que trata la actualidad sobre el diseño web. Para esta ocasión, Alex Fowkes tuvo que diseñar un display incluido dentro del periódico del evento entregado a todos los asistentes. Como vemos, un cartel donde juega con el uso de diferentes tipografías para plasmar una frase de cierta trascendencia. Esta "técnica" de composición esta siendo utilizada por muchos diseñadores en los últimos tiempos, seguramente motivada para enfatizar las palabras, para darle relevancia al contenido, al mensaje.

El siguiente proyecto fue creado para NHS, el Servicio Británico de Salud, y trata la enfermedad de la Psicosis. El objetivo era transmitir a la población, especialmente a los jóvenes, la idea de la psicosis como un problema de salud que puede afectar a todas las personas. Las creatividaddes de Alex Fowkes están dirigidas a captar la atención del público adolescente, de los escolares, y por ello diseñó una serie de personajes amigables para esas edades:

De una manera práctica y creativa, quería transmitir a través de unos simpáticos personajes los diferentes rasgos de personalidad que pueden derivar en una psicosis. Unos personajes que se adaptan a las tendencias y modas de hoy en día, bien colegiales, deportistas, macarras, sport, más aún en los entornos escolares. La idea era mostrar numerosas conductas cotidianas que vemos a nuestro alrededor y cómo pueden concluir en problemas mayores si no tienen un seguimiento adecuado.

El estilo retro de las cafeterías americanas de los años 50 y 60 parece haber sido la inspiración de Alex Fowkes para la creación y desarrollo gráfico de Pin Up Bowling Alley, una bolera situada en la ciudad de Manchester donde, además de jugar a los bolos, puedes tomarte un cerveza y comer. Para esta ocasión, el trabajo se centró en crear la imagen del establecimiento y sus diferentes adaptaciones a medios impresos en papel, camisetas, cartas, rótulos, etc.

La esencia de los clubs americanos se respira en cada una de las aplicaciones gráficas realizadas para Pin-Up. Las tipografías, las gamas cromáticas, los dibujos, todo evoca a los cláscios bares del otro lado del charco. Por supuesto, las equipaciones de los empleados, la línea exterior del local, la cristalería... forma parte del mismo conjunto corporativo, siguiendo una estética cuidada y original.

Por último, uno de sus últimos trabajos corresponde al encargo de Sony Music por su 125 aniversario. Alex Fowkes ha creado un grandísimo mural de dos metros de altura dividido en unas 50 columnas ordenadas por décadas de música. En total hablamos de 150 metros cuadrados de diseño gráfico recorridos por los nombres de más de 1.000 artistas que han pertenecido a la discográfica a lo largo de su historia.

La idea de este proyecto era tener en el propio "corazón" de la firma el legado de artistas y personas determinantes de la música y que han tenido cierta relación con Sony Music. Una creativa y original propuesta en vinilo que comienza en 1887 y llega hasta nuestros días.

Como en otros ejemplos, Alex Fowkes ha empleado tipografías de diferentes tamaños para incluir movimiento en el conjunto, otorgando relevancia a ciertas palabras con tamaños mayores, cromáticas en rojo y subrayados. Un estilo simple pero muy llamativo y que para este proyecto, donde el contenido textual es amplísimo, es perfecto. Sobra decir que la complejidad de ejecución es elevada, ya que manejar tal número de tipografías requiere muchas horas de diseño gráfico, más aún si le sumamos las horas definiendo con detenimiento los vinilos, cortado a mano, y en muchas ocasiones con vinilos (rojo) que deben ser introducidos en el cuerpo de otros vinilos ya colocados (negro). Por todos estos motivos, y muchos más, hablamos de un trabajo genial y metódico.

A continuación, un vídeo resumen de este interesante trabajo:

La fotografía puede ser entendida como un medio de expresión artística o como un medio de información. En ocasiones, existen profesionales que consiguen aúnar ambos criterios y desarrollar trabajos buenísimos que hablan por sí solos. Anthony Kurtz centra parte de su trabajo en mostrar al mundo el problema de la marginación de las personas, excluidas de la sociedad por decisión propia o por las circunstancias que les rodean. Asimismo, busca con sus trabajos sensaciones y sentimientos que demuestren aspectos como el control y la conformidad de sus protagonistas cuestionando continuamente las ideas de democracia, igualdad y progreso que brillan por su ausencia en la mayor parte de lugares.

Anthony Kurtz hace uso de estos personajes para poder plasmar mediante retoques de luz, sombras y colores, atmósferas y estados de ánimo hiperrealistas adornados con halos de misterio y tristeza, belleza, esperanza. Las imágenes resplandecen en los rostros de los protagonistas, transmiten una carga emocional muy profunda y contundente, llegan al fondo.

El cuidado de la imagen, la nitidez, son aspectos sobresalientes. A través de esas miradas inmaculadas nos llega el sentimiento del personaje, parecen contarnos la vida que hay detrás de esos ojos, las experiencias, las buenas y malas noticias.

Muchos de los efectos destacados de estos trabajos son fruto de la técnica empleada en la impresión. Para ello, emplea una impresora modelo Laserlab Polielettronica que consigue unos resultados de impresión cuidadosamente calibrados con unos niveles de riqueza, calidez, saturación y profundiad sobresalientes. No hay que olvidar que el soporte es unos de los elementos fndamentales en cualquier tipo de trabajo visual.

Hoy en día, se comenta que la comunicación visual es fundamental para poder transmitir mensajes y sentimientos a las personas interesadas. Mejores ejemplos que estos de Anthony Kurtz no creo que podamos encontrar. El lujo del detalle de cada imagen, las situaciones elegidas, las caras inocentes y sonrientes de los más pequeños, su inocencia y travesura, contrastan con los rostros de los adultos, personas que luchan por vivir, que trabajan en situaciones precarias con poca cosa que llevarse a la boca, caminos duros tan sólo para subsistir.

Estos mensajes, estas historias, son las que producen en el observador planteamientos de conciencia social, una excelente manera de decir al mundo que algo no anda bien, que puede que en algunas partes la situación sea positiva pero que correlativamente en otros lugares las cosas no tienen nada que ver, son mundos distintos.

Anthony Kurtz muestra su forma de pensar y actitud ante estas situaciones con series de fotografías que le han hecho merecedor de grandes premios a nivel internacional desde el año 2004. Encomiable su portfolio de fotografía documental y sobresaliente también los trabajos realizados para campañas publicitarias.