Internet ha permitido a muchas empresas y comercios tener su propio espacio virtual con una dirección concreta que comienza con www (dominio) Como en la vida real, los negocios tienen una imagen y un escaparate desde donde muestran sus productos y servicios y desde donde intentan interactuar y ponerse en contacto con los clientes tanto reales como potenciales. Hay muchas formas y es justo aquí donde entra al terreno de juego factores como la creatividad, diseño web, aplicaciones, todo un elenco de herramientas que permiten, de diversas formas, poder promocionar la empresa.

El diseño de páginas web es una labor difícil en la que hay que sumar muchísimos factores relacionados con la programación, diseño, funcionalidad, accesibilidad, posicionamiento, contenidos... Muchos elementos que forman parte de un mismo conjunto y que hay que mimar para que encaje todo a la perfección.

Otra herramienta que sobresale por su utilidad es la newsletter. Como sabemos, la newsletter sirve para enviar notificaciones a todos los sujetos que hayan facilitado una dirección electrónica porque están interesados en recibir información de los sitios donde estén dados de alta. Las newsletters han sufrido un cambio brutal, ya que de simples noticias con un pequeño texto, se han transformado en sobresalientes trabajos gráficos con unas creatividades realmente buenas y trabajadas. De hecho, se están acercando más a ser campañas de publicidad que a su función original informativa.

En los últimos meses, crece la notoriedad de los denominados códigos QR. Unos símbolos cuadrangulares, en cuyo interior se disponen pequeñas líneas a modo de laberintos. Una vez escaneados con un dispositivo móvil, conducen a aquellos sitios específicos o generales que el cliente haya decidido. En un principio eran muy básicos, pero poco a poco, como en todo, gracias a la tecnología y al conocimiento, van adoptando formas más atractivas desde el punto de vista visual.

Con las nuevas tecnologías, cada vez es mayor el número y uso de los dispositivos móviles o smartphones. Por ello, las páginas web poco a poco deben ir adaptándose a estas nuevas aplicaciones ya que el usuario accede a toda esta información desde esos dispositivos.

Calcco presentó en el post anterior un ejemplo de web adaptada a un smartphone.

En 2013, el Día Mundial de Intemet, será muy probable que existan nuevas herramientas de comunicación vía internet y ojalá escribamos un nuevo post donde hablemos de la adaptación de Calcco a esos nuevos entornos y con unos trabajos para mostrar.

De hecho, los últimos datos de los estudios reflejan que el 68% de los internautas acceden al sitio web de las marcas a través de dispositivos móviles (Via The Cocktail Analysis). Si el total de internautas en España es de unos 20 millones, nos referimos a que 13,6 millones de personas acceden a los sites con smartphones de pantallas entre 4 y 7 pulgadas. Una buena oprtunidad para dar forma a la versión móvil de la web de empresa.

En Calcco hemos decidido apostar por la creación de versiones que se adapten a los diferentes momentos y tecnologías de nuestros días. Conscientes de que las visitas se incrementan ostensiblemente con teléfonos móviles motivadas por la falta de tiempo, la comodidad, la capacidad de estos dispositivos, la tecnología, hemos desarrollado la versión móvil de la web de Calcco como ejemplo de nuestro trabajo, por supuesto extrapolable y personalizable para cualquier interesado.

El objetivo de esta versión es mantener en la medida de lo posible la misma estructura de la información (adaptada mínimamente para su correcto funcionamiento en móvil), por lo que se han modificado los estilos CSS y las imágenes para conseguir un entorno más navegable y fácil de utilizar desde un dispositivo táctil (no hay que olvidar que la gran mayoría son táctiles, y los usuarios navegantes emplean el dedo y no un cursor).

El pilar de este proyecto consiste en mantener la misma web, mismos contenidos, mismas imágenes, el mismo cms, pero teniendo siempre presente que son dos visualizaciones distintas. Botones más amplios, menú vertical y estructurado de manera desplegable... Entorno e imágenes adaptables a cualquier tamaño de navegador.

En definitiva, disponer de una web en la palma de la mano de modo que el usuario pueda acceder a todos los contenidos de la misma como si estuviera sentado frente a su ordenador con una pantalla de más de 13 pulgadas. Los textos, las imágenes, los iconos sociales, las opciones y funciones de interactividad, absolutamente todo funciona de la misma forma que en el formato original. Así, los posibles usuarios pueden realizar sus consultas a través de estos dispositivos incluso mientras caminan por la calle y sin necesidad de tener que realizar zoom para agrandar pantalla o textos: accesibilidad, usabilidad y funcionalidad.

A continuación, un breve video explicativo de cómo funciona este modelo en acción:

Entra en www.calcco.com desde tu smartphone y experimenta todo lo que hemos explicado!!!

Las respuestas a las preguntas las encontramos en este conjunto de elementos de Hilla Shamia quien no deja de sorprendernos en cada proyecto.

El primero de los trabajos se denomina Wood Casting:

El sentido que Hilla Shamia quiere dar a esta obra  es el de dar la vuelta a la negatividad y al desastre culpable de calcinar los árboles. Ella utiliza esos troncos prácticamente inservibles y les vuelve a dar vida como objetos de diseño. Por lo general, las líneas definidas, las esquinas pronunciadas, intensifican el aspecto artificial del objeto, de la misma manera que lo hacen perpétuo.

La pureza de las formas, la unión o fusión que se produce entre ellas, aportan solidez y robusteza al conjunto, un carácter rudo al mismo tiempo que delicado, combinación difícil de alcanzar pero que Hilla Shamia ha sabido dar de forma magistral.

Existen otros trabajos de una factura impecable y que veremos por encima.

A continuación, Rocking Horse es el proyecto de un caballo de madera a modo de mecedora. Pensado para que cuando lo utilicen pueda balancearse hacia atrás o adelante y viceversa. Otra interesante manera de aprovechar el tronco de un árbol en vez de emplearse para papel, fuego, etc. La propia silueta circular del tronco le permite ser un balancín. Disparidad y efectividad, funciones no asociadas a ese tipo de material pero que son perfectamente válidas.

Chess: Otra de sus geniales obras es este ajedrez realizado también en aluminio, pero aluminio tratado en dos variables: aluminio pulido y aluminio corroído. A simple vista, puede parecer inadecuado pero las imágenes hablan por sí solas, el resultado final llama la atención. Las piezas pulidas están perfectamente delimitadas, son pulcras, suaves, en cambio las piezas corroídas están sucias, rugosas pero guardan un encanto especial, similar al de las piezas pulidas.

Es evidente que este trabajo está cuidados hasta el más mínimo detalle. La originalidad de las fichas, su acabado, los cuadro del tablero, mitad cuadros pulidos y mitad cuadros corroídos, todo contribuye a crear un conjunto de gran belleza.

Como vemos dos son los elementos protagonistas de estos ejemplos: la madera y el aluminio, bien combinados o bien por separado. Es indudable que esta colaboración sorprende por su estética y funcionalidad.

La perspectiva, la iluminación, el movimiento, son las señales de identidad de sus obras. Parece imposible que consiga fotografías de estas características en un medio tan complicado de dominar como es el acuoso y enfocando a animales que se mueven a grandes velocidades y usualmente huyen de todo ser humano.

David Doubilet comenta que es mucho más difícil obtener una buena imagen debajo del agua que en tierra firme. Añade que cuando sumerges tu cabeza dentro del agua el mundo cambia y las fotos también cambian, puesto que requieres más intimidad y la perfecta combinación de luz, tiempo, color y contraste.

La clasificación de su obra es muy larga ya que sus trabajos se dividen en 17 categorías. A continuación, veremos algunos ejemplos de sus proyectos más destacados como son estas instantáneas que pertenecen al álbum "Black & White":

El arte de la fotografía en blanco y negro es una de las asignaturas pendientes para muchos profesionales de esta rama, ya que transmitir sensaciones con una imagen en blanco y negro requiere una estudiada iluminación, dinamismo, movimiento, etc. En estos dos ejemplos, es admirable la captación y transmisión del movimiento, de las características físicas de los peces, de los gestos...

Sólo les falta hablar... impresionante la expresividad de ambas imágenes alojadas en el álbum "Faces in the Sea" Es muy complicado atraer o acercarse tanto a un pez de estas características, en cuanto sienten la presencia humana salen disparados de donde se encuentren. De nuevo, la luminosidad y el color de las escenas son admirables.

Tan conocidas como temidas, esas son las medusas, seres que se mueven con una elegancia fuera de lo común. Parecen ángeles por la sintonía de su movimiento, por su halo de misterio, por su atractivo peligro, por su luminosidad... viven en aguas cálidas, cristalinas, por lo que cuando anochece, o la profunidad es considerable, el agua se torna oscura y el propio flash de la cámara consigue efectos sensacionales al impactar en sus cuerpos. Todas estas características aparecen bien reflejadas en cualquiera de las dos fotografías.

Los momentos elegidos para disparar la cámara de fotos están cuidadosamente estudiados, en estos casos con buceadores las temáticas varían desde la meditación, soledad, investigación, aventura. El hecho de que el submarinista esté cerca del pecio hace que la majestuosidad de la embarcación domine totalmente la situación, y este efecto está muy bien logrado. Consigue mostrar esa abrumadora presencia del barco con respecto al ser humano.

Muchos de sus trabajos se encuentran dentro de los álbunes de la rvista National Geographic Magazine y sus libros y exposiciones los contamos por decenas. Para alzanzar esta calidad fotográfica en agua es necesario no sólo ser un excepcional fotógrafo, sino además, y casi más importante, un experto buceador con botella, ya que el dominio de la estabilidad y de la respiración es primordial para la ejecución de estas tareas.

Muchos fuimos los que nos reunimos en la jornada del viernes en este congreso. Personas llegadas de todos los puntos de la geografía nacional interesados en escuchar a las grandes figuras del diseño y creatividad actual.
Estas son algunas impresiones de los distintos ponentes que captaron nuestra atención:

Nando Costa
Analizó la diferencia entre arte (como forma de expresión "altruista") y diseño (como forma de expresión que debe ser funcional). Manifestó su obsesión por las formas curvas y por la distribución de los espacios y su pretensión por crear sensaciones orgánicas y espontáneas sin restricciones pero siempre de forma organizada. Otro dato que nos sorprendió es que nunca trabaja con bocetos. Su lema: “My work is a game, a very serius game”

Hanzo: Action + Emotion
Su idea es la de emplear el diseño como búsqueda de una solución. Para Hanzo el método de trabajo tiene 4 fases:
1. Investigación
2. Conceptualización
3. Implementación
4. Evolución. Después del lanzamiento de un proyecto hay vida, en realidad un proyecto comienza cuando se "cuelga" o estrena.
Nuestra labor consiste en transformar un briefing en ideas tangibles. Insisten en la idea de reducir al máximo el estrés de las opciones, aglutinar toda la arquitectura de la información en dos o tres opciones y después mostrar una manera de navegación de “descubrimiento”.

Vitaly Friedman
Para este diseñador existe demasiada inspiración en la red. Todos buscamos inspiración de las mismas fuentes por lo que terminamos limitando y encorsetando el diseño. Vitaly Friedman defiende un diseño donde todo se justifique, donde todo esté justificado. El buen diseño se encuentra entre la elegancia e invisibilidad.
Pasos:
1. Una idea diferencial: la base del proyecto. Una idea en cierto modo “imperecedera” en el sentido de que podamos volver a ella, recurrir a la idea como nuevo punto de partida
2. Virtud. Valor. Propósito. Significado
3. El diseño invisible debe servir para cumplir su función
4. Comprometido con la calidad y la mejora
5. Utilizar el lenguaje para crear un mensaje emocional
6. Los web designers son contadores de historias
Nuestro trabajo mejorará si nos centramos en el diseño invisible, buscando un equilibrio entre lo visible y lo invisible, lo invisible y lo elegante.

Mario Eskenazi
Para este diseñador todo proyecto tiene una serie de fases:
1. Comenzar con las ideas. Todo trabajo debe ser único
2. Profundizar en el proceso. Para ello la idea debe ser flexible, adaptarse a diferentes medios y materiales
3. Dejar que los conceptos determinen las formas (la elección de una tipografía)
4. Reducir hasta la esencia
5. Mantener la integridad de la idea
Mario Eskenazi trabaja sin un briefing previo a la ejecución. “No sé por qué extrana razón los clientes creen en mi”

Es importante que todo tenga un sentido y exigir el rigor al máximo. Mario Eskenazi nos pareció un tipo muy tranquilo, reflexivo y conceptual. Explica cada una de sus ideas y trabajos como un todo. Todos sus diseños son simples, muy simples y contundentes. Nada es gratuito en sus diseños.

Randy J. Hunt
Director creativo en Etsy, plataforma global para hacer negocios basada en dos pilares:
1. Dar valor a lo artesano
2. No olvidar la realidad
Etsy permite a cualquiera tener una tienda, vender objetos, observar la actividad, ver lo que compran otros... El 97% del precio del producto va a parar a manos del artesano o creador. También se vende la materia prima para hacer los productos.
En 2011 vendió 450 millones de dólares con más de 400 millones de visitantes al mes. Su filosofía está basada en diseñar una metodología y crear un equipo con los mejores, eliminando el lado egocéntrico y potenciando la esencia de cada miembro del equipo.

Stefan Sagmeister
Cada siete años, el diseñador Stefan Sagmeister cierra su estudio de Nueva York durante un año sabático para rejuvenecer y refrescar su panorama creativo. Explica el valor del tiempo libre, a menudo pasado por alto, y muestra los innovadores proyectos inspirados en sus diferentes estancias.
Máximas o principios de Stefan Sagmeister:
Pensar en las ideas
Viajar a diferentes lugares nuevos
Utilizar una amplia variedad de técnicas y herramientas
Trabajar en proyectos que me interesan
El placer y la alegría de que las cosas sigan saliendo bien
Saber que lo que haces es importante
Diseñar proyectos en parte nuevos y en parte familiares
Trabajar sin interrupciones en un proyecto sencillo

Estos han sido algunos de los apuntes que más nos llamaron la atención de estos grandes profesionales del mundo del diseño. Nos hubiera gustado añadir muchos más trabajos y explicaciones pero este post sería eterno.

De momento, estamos deseando que llegue la 8 edición en 2013.

Martin Stavars realiza fotografía paisajística en blanco y negro. Sus escenarios son en su mayor parte grandes urbes, aunque también ha realizado trabajos relacionados con la naturaleza.

Un denominador común en todas sus obras es la capacidad que tiene para captar la iluminación más adecuada, elemento harto difícil cuando estamos hablando de fotografía en blanco y negro. Le gusta transmitir el espíritu de las calles, de los edificios, de los paisajes a través de las instantáneas. 

Los edificios se erigen como protagonistas de la acción. Parecen vigilantes de las ciudades, perpetuos, pétreos, inamovibles, descomunales... Martin Stavars dice que el secreto de su trabajo es la paciencia y la suerte, ya que considera fundamental que en las imágenes no aparezcan muchas personas, ni automóviles, ni nada, simplemente el entorno urbano con su mobiliario, los edificios y el medioambiente, por lo que espera con paciencia unas cuantas horas a que la situación sea la más adecuada.

Considera que otro de los factores indispensables es la suerte, reflejada en la climatología perfecta, la nubosidad, los rayos del sol que cuelan por las nubes, hacen que varios disparos en el mismo instante generen unos resultados sorprendentes y diferentes, a pesar de estar en un intervalo de tiempo ínfimo.

Desde sus comienzos, el autor cuenta que cualquier paisaje es todo un reto, de ahí que haya estudiado con detenimiento la interpretación de la luminosidad, de la luz, más aún cuando ese elemento no está controlado por él sino por la naturaleza. Antres de dar el paso a las ciudades, Martin Stavars comenzó su aventura profesional enamorándose de los paisajes naturales.

Así como también, muestra cierta preferencia por los árboles. De hecho, en su portfolio presenta toda una serie fotografica correspondiente a retratos de árboles, parece como si tuvieran ojos y boca y hablaran, son árboles mágicos con vida propia.

De nuevo, la destreza en el manejo de la luz es evidente.

Toda una sorpresa encontrar a este profesional de la fotografía con unos trabajos realmente cuidados y de una factura excepcional.

La Semana Santa viene precedida por la Cuaresma, que finaliza en la Semana de Pasión donde se celebra la eucaristía en el Jueves Santo, se conmemora la subida de Jesús a la cruz el Viernes Santo y la Resurrección en la Vigilia Pascual durante la noche del Sábado Santo al Domingo de Resurrección.

Son días de fervor reiligioso y recogimiento espiritual donde Florece la Pasión... aunque cada cual lo vive como mejor considere.

Desde Calcco os deseamos una muy buena semana a todos.

Su obra contiene matices orientales (de hecho sus ascendientes son japoneses) y occidentales conviviendo con estéticas pop y cómic. Un conjunto de elementos que dotan a las creaciones de una fuerza visual sobresaliente, regalando momentos de imaginación al observador.

La mayoría de sus obras tienen como protagonista "caras" humanas que curiosamente tienen la misma estética: caras rectilíneas, geométricas, coloreadas de diferentes formas y con las cabezas totalmente rasuradas.

Estas creaciones recuerdan un poco al personaje de cómic Silver Surfer, un superhéroe de cuerpo plateado, sin ningún tipo de bello y con la misma mirada que los protagonistas de estas ilustraciones. También presenta ciertas reminiscencias a las obras de Picaso, con esas caras de rasgos imposibles...

Además, Hamilton Yokota o Titi Freak realiza composiciones de animales, concretamente de peces. Pero no peces normales, sino peces que parecen sacados de dibujos manga por sus exhuberantes formas, colores, tamaños, movimientos, etc. Inlcuso en ocasiones parecen más los típicos dragones de dibujos con ojos saltones y largos bigotes.

También recrea leones y otros animales pero con las mismas características que los vistos hasta ahora. Grandes formas con una enorme variedad de colores.

Por último, su faceta de grafitero además de ilustrador brilla por sí misma, en especial con obras basadas en tipografías de logotipos, en palabras, en letras. Como la tónica general, de nuevo mucho colorido, estéticas pop y logotipos muy recargados.

Muy admirable su faceta solidaria con respecto a la causa japonesa. Uno de sus últimos proyectos ha sido viajar unos días a Ishinomaki, una de las zonas más afectadas por el tsunami de Japón de 2011, y pintar las casas prefabricadas donde viven de manera temporal los ciudadanos afectados por la catástrofe. De este modo, quiere aportar algo de ilusión y alegría a través de sus coloridos trabajos.

Primeramente, nos gustaría dar las gracias a todas las personas que votaron por la nominación de Calcco a estos Premios Web Riojanos 2011 porque significa que el trabajo que realizamos desde la agencia es bueno.

En muchas ocasiones surgen dudas acerca de la creatividad, la originalidad, el atrevimiento, el diseño... Pero cuando consigues reconocimientos de este tipo quiere decir que el camino escogido es el adecuado.

El evento tuvo lugar en las conocidas Bodegas Franco Españolas ubicadas en una de las entradas a Logroño, concretamente la correspondiente al recién reformado Puente de Hierro. Un acierto querer asociar una cultura tan milenaria como la vinícola con una cultura emergente como la cultura 2.0, un símbolo tan riojano como el mundo del vino con otro símbolo representativo de la innovación y desarrollo como el marketing digital.

Tras caminar franqueado por las cubas de madera donde antiguamente reposaba el vino, las actuales son de acero, accedimos a una sala decorada para la ocasión con predominio de luces de colores vivos como verdes, violáceos, rojos y azules, donde tuvo lugar la celebración. El acto estuvo amenizado por el "speaker" Sergio Pazos, recordado por su papel de hombre de negro en el que fuera programa de moda "Caiga Quien Caiga".

Comenzó la elección de los ganadores, en total 5 categorías y la nuestra era la última. La intensidad de los segundos y los nervios se iban acentuando más y más y no os digo nada cuando apareció Calcco en pantalla como uno de los nominados, y encima por partida doble, con lo que la pantalla era practicamente nuestra.

Por fin llegó la resolución final y Calcco resultó ganador por segundo año consecutivo como mejor Campaña Online. El año anterior también fueron premiados como mejor Web de Empresa 2010. Nuestro compañero y director de orquesta Sergio Aja subió a recoger el premio y lanzó unas bonitas palabras brindando esta victoria a todo su equipo. La tensión e incertidumbre habían quedado atrás y dado paso a los abrazos, besos, alagos y felicitaciones.

De izquierda a derecha: Jose Manuel Pérez, Chema Longobardo, Raúl Barrio, Marta Aja y Sergio Aja. Estos son los integrantes de este equipo de jóvenes creativos que, gracias a su esfuerzo, trabajo y tesón, han desarrollado a lo largo de 2011 unos trabajos de notable factura y han conseguido revalidar un título harto difícil de conseguir.

Qué cierto es cuando las partes están bien engranadas el movimiento es dinámico y fluido, pudiéndose alcanzar todos los objetivos planteados, y esta agencia es un claro ejemplo de ello.

De nuevo, gracias a todos los seguidores de Calcco, y a los no seguidores que nos votaron, por depositar su confianza en nuestro trabajo. Y nuestra más sincera enhorabuena a los ganadores de las otras cuatro categorías:

• Web Empresa: Jpeg Estudio de Fotografía
• Institución/Asociación: Actual 2012
• Comercio Electrónico: Shop The Art Company
• Espacio Personal: Ángel Maestre
• Mención especial por Trayectoria Profesional: Eduardo Solar de Emesa

Esto ha sido todo, por la parte que me toca puedo dar buena cuenta de que el trabajo de Calcco es sobresaliente y me siento orgulloso de poder aportar un pequeño granito de arena con mis líneas de texto a este formidable grupo.

Este es el vídeo de la entrega del Premio:

Ahora toca fijar la mirada en los Premios Web Riojanos 2012!

Gracias a todos y todas por vuestros votos.

Meses y meses de esfuerzo tienen sus frutos, y este es uno de ellos.

Antes de nada debemos aclarar que tanto Julio como Ramón no viven de estas creaciones, las realizan como pasatiempo y las exponen en el bar de Julio de nombre El Tirador, ubicado en la conocida calle Somosierra 21 de Logroño. Sí, habéis escuchado bien, el local es un bar de vinos y tapas donde por cierto puedes comer el mejor salchichón a la plancha de la ciudad.

Todo comenzó cuando hará un par de años presentaron estas escenografías cargadas de buen gusto. Conforme ha transcurrido el tiempo, el talento y la creatividad han ido creciendo hasta convertirse en auténticas composiciones que maravillan a todo el que las ve. El último trabajo corresponde a las obras para la creación de un corazón desde platos de cocina rotos...

Esta es la vista aérea del trabajo finalizado, la escena consiste en las obras realizadas para construir un corazón a partir de trozos de platos de cocina, analicemos más de cerca las diferentes situaciones:

Los encargados de la obra estudian cuáles son las siguientes acciones para llevar a cabo y valoran si las circunstancias son seguras o no.

Los operarios de la obra trabajan con esfuerzo la cerámica para poder colocar más tarde las partes que faltan y finiquitar la obra.

La pala mecánica transporta los pedazos y los deposita cuidadosamente siguiendo las instrucciones de los encargados.

Es curisoso cómo a través de estas composiciones damos rienda suelta a nuestra imaginación navegando en auténticas historias donde los personajes son los sujetos que vemos en las fotografías. La acción y situación de cada elemento está meticulosamente estudiada para que generen acción y secuencias casi reales. La actitud de los personajes, la iluminación, las posturas, casi casi como ver un episodio de la vida de cualquiera de nosotros.

Son muchas las creaciones, a continuación mostramos otros trabajos de etapas anteriores, a cada cual más sorprendente:

Como apuntábamos, es muy relevante la facilidad con la que generan acción, dan vida a los muñecos protagonistas, siempre aderezado con un punto de ficción y en ocasiones surrealismo que aporta un resultado irresistible. Además, como mucho emplean 3 componentes, es decir, las escenas no están cargadas de diferentes elementos, objetos... bien una nave de La Guerra de las Galaxias con un exprimidor y unos cuencos; dos muñecos junto a unos objetos de decoración; una serie de robots, etc.

Ahí está la magia, con tan pocos elementos crear verdaderas historias.

Si queréis ver más ejemplos podéis visitar el álbum de fotos del Tirador en Facebook.

Desde aquí un abrazo muy grande a este par de creativos con estilo propio.

Le Turk es el responsablede de estas composiciones muy cercanas a momentos irónicos, impactantes, surrealistas, siempre aderezados con chispas de erotismo y desnudos femeninos.

Un cocktail explosivo si no se manejan en su justa medida. Las imágenes rebosan creatividad jugando en todo momento con los límites de la moralidad y la cordura. La iluminación, el color de los ambientes, la expresividad de las figuras nos llevan a mundos de una creatividad sobresaliente, nos invitan a pensar y a adentrarnos en la historia de sus personajes.

Varios son los elementos comunes que caracterizan estas obras: en primer lugar hablamos de la mujer. El sexo femenino es uno de los pilares de estas fotografías y en su mayor parte en la versión con desnudos, mujeres altas, flacas, obesas... en posiciones obscenas, desafiantes, llenas de lujuria, sensualidad.

Otro de los pilares es la figura masculina representada en casi todas las escenas. Gestos, muecas, agresividad, actitudes lascivas, un sinfín de expresiones exageradas, aún más si cabe, por rostros pálidos de miradas desconcertantes.

El tercero de los pilares son los ambientes abstractos, el clima surrealista que envuelve cada una de las creaciones, situaciones donde se mezclan acciones eróticas, agresivas, paranoicas, protagonizadas por niños con armas, ángeles caídos y apresados a cadenas, personas con alto grado de embriaguez...

Fuertes dosis por doquier de erotismo y surrealidad, mundos estridentes con el juicio perdido abocados al caos y la autodestrucción.

13 son ya las ediciones de estos Premios Web Riojanos que ya han encontrado un merecido sitio dentro del panorama empresarial de La Rioja.

5 son las categorías del concurso y 3 finalistas por cada una de ellas:

• Mejor Web de Empresa
• Mejor Institución/Asociación
• Mejor site de Comercio Electrónico
• Mejor Espacio Personal
• Mejor Campaña Online

En este último apartado es donde Calcco llega como finalista y además por partida doble con: Campaña Online Comercial de Calcco y la Campaña Online Corporativa "Happy Days"

La Campaña Comercial de Calcco se refiere a una serie de newsletters creadas como forma de promoción de la agencia y sus servicios. Son creatividades realizadas a lo largo del año 2011 con una gran carga de originalidad y con el objetivo de facilitar al cliente el desarrollo de la parte visual de su empresa, abarcando diferentes áreas como diseño gráfico, diseño web, packaging, fotografía, comunicación, etc.

La Campaña Online Corporativa es la denominada "Happy Days" y son una serie de newsletters elaboradas por Calcco en momentos concretos, especiales, como fiestas regionales, fiestas nacionales, felicitaciones, etc.

Mensajes donde Calcco expone todo su potencial creativo y lo difunde a través de los medios obsequiando a sus clientes, tanto reales como potenciales, de una forma muy particular de entender los acontecimientos que se suceden a lo largo del año.

Contamos con todo vuestro apoyo, muchas gracias.

Composiciones donde el protagonista es el ser humano en situaciones surrealistas, dentro de mundo ficticios, con ciertos matices destructivos, paranoides, pero cargados de contenido y expresividad.

El ser humano afronta diferentes situaciones a lo largo de su vida y Adam Martinakis las expresa de este modo tan particular. En la primera de ellas nos traslada al momento en el que la figura de piedra es juzgada por todos esos humanos mucho más pequeños, parece el juicio final que todos debemos pasar en el momento de nuestra muerte. En la obra que tenemos justo encima, Love for light, el ser humano intenta zafarse de las garras de un mundo negativo (color rojo) e intenta separarse de éste a través del amor...

La realidad, el movimiento, la situación, tiene una vida inherente que se transmite al observador de la obra. El sentimiento, el mensaje, el argumento, la idea de la composición está magistralmente trabajada.

Domina a la perfección el mensaje a través de imágenes y acciones. La primera de las imágenes con las manos encadenadas, titulada Future Memories, es un claro sinónimo de la lucha de un hombre y una mujer por estar juntos dentro de un entorno negativo, carcelario. Las caras de los protagonistas están plasmadas en las palmas de las manos, provocando matices abstractos, irreales, goyescos incluso. Con Fool Moon, la situación es mucho más relajada, romántica, predominan los medios acuosos sin oscilaciones bruscas, el momento es sinuoso donde fluye el amor.

Un resumen de dos enamorados: la escultura acaba destruyéndose como la vida misma, pero el amor perdura personificado en ambas formas fusionadas incluso en el momento de derrumbarse.

En otra línea, encontramos trabajos muy finos de arte digital que no están relacionados con el amor:

EL siguiente video es un resumen de este genial diseñador de arte 3D Adam Martinakis. 

El puntillismo es una técnica pictórica consistente en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela. Miguel Endara sustituye la policromía por el blanco y negro, y la tela por el papel.

Antes de analizar algunos ejemplos, veamos este magnífico video titulado "Hero":

Hero de Miguel Endara en Vimeo

3.2 millones de puntos protagonizan esta creación que deja a más de uno con la boca abierta. Evidentemente, huelga mencionar el talento que tiene el autor por el manejo de la perspectiva, de la iluminación, la vitalidad de la cara, la minuciosidad y limpieza de los puntos, etc. Sin olvidarnos de su paciencia y tesón para mantener la proporcionalidad de las masas de puntos.

La similitud con la realidad es abrumadora, de hecho parece una fotografía en blanco y negro. La expresión del rostro y de los ojos, las arrugas de patas de gallo, el nacimiento de la barba, son aspectos cuidados con esmero que aportan una dosis de naturalidad espectacular. Fijémonos en los detalles:

Dos ampliaciones de la obra "Hero" para observar el finísimo trabajo realizado por Miguel Endera, la precisión y capacidad de crear las formas desde el exterior del protagonista, desde partes con gran masa de puntos a partes con menos densidad, generando luces, sombras, contornos, formas... El efecto volumen de los elementos es de nota.

Otra de las composiciones de Miguel Endera titulada "Capricho Árabe" emula los mosaicos de origen árabe que podemos admirar en cualquier zona de Andalucía. Como en el anterior ejemplo, el volumen, las sombras, el movimiento de las líneas, la belleza de la obra salta a la vista. Además, a todas estas características debemos unir la simetría del conjunto, por lo que la complejidad de elaboración se acentúa hasta dimensiones importantes.

Algunos otros proyectos de Miguel Endera:

Miguel Endera domina otra serie de técnicas que pueden visualizarse en su site y cuya excelente elaboración no dista en absoluto de las vistas aquí.

Por ello, queremos agradecer a diversos medios digitales el esfuerzo por incluirnos en sus páginas web como ejemplos de diseño gráfico relacionado con el vino. Se trata de blogs especializados en el mundo del packaging y que tienen una gran difusión a nivel internacional, incluyendo trabajos procedentes de cualquier parte del mundo, por lo que el hecho de aparecer en ellos es un premio al trabajo que realizamos.

Gracias también a todos nuestros clientes que han depositado su confianza en nosotros porque sin ellos nuestra labor no tiene sentido. Si estuviera en nuestra mano publicitaríamos todos los packaging de nuestro portfolio, pero esa decisión está en manos de los gestores de los blogs, y es tan grande el aluvión de proyectos que les presentan que estarían publicando nuevos productos cada minuto.

Sin importar el orden, en primer lugar mencionamos el trabajo que hemos presentado para el vino Marqués de Burgos de Bodegas Lan. Colores fucsias y blancos y un globo aeroestático como protagonistas de la composición. Este trabajo fue publicado en The DieLine y Designals:

The DieLine es uno de los más prestigiosos blogs de packaging a nivel mundial. Su selección de trabajos es muy rigurosa y tienen una completísima carta de trabajos divididos en tres categorías: características, tipo de industria y tipo de materia prima.

Designals es una agencia argentina especializada en diseño gráfico y publicidad. Tienen un blog donde exponen trabajos de diseño, no sólo packaging, sino también ilustración, diseño gráfico, tipográfico, branding, comunicación, etc.

Otro de los blogs con más prestigio dentro del panorama digital es Lovely Package. Los principales trabajos de packaging más relevantes aparecen en los post de este blog divididos por categorías y fechas de publicación. Lamiturri es un trabajo realizado para Bodegas Jalón, una pequeña bodega familiar riojana situada en la localidad de Alberite de Iregua.

Packaging of the World espacio dedicado a todo tipo de packaging con gran difusión vía online y un amplio abanico de categorías de producto. En esta ocasión el trabajo elegido fue el vino con Denominación Navarra Príncipe de Viana Edición Limitada de las Bodegas Prícipe de Viana. Una etiqueta distinta, con reminiscencias barrocas y vintage, colores blancos y plateados para este vino exclusivo tanto por diseño como por contenido.

Esperamos poder publicar cada cierto tiempo entradas en este blog exponiendo los trabajos de Calcco y su repercusión en escenarios especializados y cualificados del mundo del diseño, packaging y comunicación como es el caso de estos blogs.

WWF es consciente de esta terrible situación y ha lanzado una campaña gráfica donde denuncia la aniquilación de las especies de animales. El mensaje que incluye en todos los modelos de la campaña es claro: 6.000 especies desaparecen al año como consecuencia de la desertificación.

El argumento presenta una serie de elementos comunes en los 3 anuncios: un animal desintegrándose, una superficie desértica y estéril, y una luz que enfoca al animal.

La acción está perfectamente estudiada, donde el animal conforme se desintegra realiza una mueca o escorzo de dolor y rabia, de miedo y resignación. El entorno es oscuro y el pequeño haz de luz representa el papel de testigo de la situación, al igual que la inmensa mayoría de seres humanos, centrados únicamente en su ego. Las acciones de huída, ataque, dolor... son los objetivos principales que WWF quiere transmitir con esta campaña.

Las especies de animales no se escogen al azar: un elefante, un leopardo y unos papagayos. El elefante destaca por su magnitud y tamaño, el leopardo por su velocidad y fiereza y los papagayos por su espectacular colorido y plumaje, pero todos ellos, a pesar de estas cualidades, van a desaparacer irremediablemente.

Son estas composiciones las que muestran claramente todo lo que venimos comentando.

WWF comenzó como un pequeño grupo de personas comprometidas con el medio ambiente y la naturaleza hará unos 50 años. Hoy se ha convertido en una de las organizaciones de conservación de la naturaleza más importantes y reconocidas del mundo. WWF está presente en más de 100 países y colaboran unos 5 millones de personas repartidas por los 6 continentes.

Desde su juventud, Haroshi siempre ha mantenido una relación muy especial con el mundo del skateboard, de hecho hoy en día continúa patinando. Es un verdadero fan de esta práctica y gracias a ella ha encontrado una vía para moldear su espectacular talento. Echemos un vistazo a algunas de sus obras:

Las obras de Haroshi son el resultado de un mix de estilos a través de mosaicos de madera, puntos y pixels. Todas las esculturas están compuestas por tablas de skateboard, apiladas unas sobre otras y cortadas y pulidas hasta conseguir la forma ideada por el autor. El problema es que las tablas de skateboard no son iguales, es decir, la forma de la tabla varía según el tipo de fabricante y marca, por lo que cada obra debe comprender productos de la misma firma y así pueden encajar unas con otras al tratarse de molduras similares.

Todas ellas presentan una notoria expresividad por la acción que figuran y por los llamativos colores con los que son decoradas.

Por concidencia, el mosaico de madera empleado por Haroshi está basado en la misma técnica que el arte de la madera tradicional japonés utilizado para construir los Grandes Budas. El 90% de las estatuas de Buda en Japón están talladas en madera utilizando el método del mosaico de madera para ahorrar en costes y minimizar el peso de las figuras, más o menos similar al caso de Haroshi ya que las tablas se recogen de basureros o hechas pedazos de la calle y posteriormente son recicladas.

Dice Haroshi que en el interior de una de sus esculturas hay un pedazo de metal, de alguna parte de un skate, de modo que al mover la figura el sonido le proporciona ritmo a esa creación. De la misma manera que uno de los principales escultores de Budas japoneses, Unkei, solía incluir una bola de cristal en la zona del corazón del buda, para así darle ritmo...

Sea como fuere, hay que reconocer su originalidad y frescura en los diseños, con unas superficies redondeadas y suaves y una combinación cromática de lo más atractiva.

A continuación, os dejamos un video de Haroshi:

Este calendario con matices vintage es un recuerdo al estilo empleado en las agendas y cuadernos de hace unas décadas donde primaban los colores básicos, adornos de encaje y una tipografía propia de caligrafía escolar con trazos curvos y definidos.

El soporte es de madera pintada en negro con una base donde muestra una bonita estampación color plata y el nombre de la emrpesa: CALCCO. Los meses varían sus gamas cromáticas pero siempre son dos los colores destacados en el conjunto.

El espacio se distribuye con los días del mes en la parte superior, una sección de anotaciones en la parte inferior y los datos de contacto a pie de página.

Otro de los detalles es que las hojas de los meses o bien se pueden arrancar y desechar o bien colocarlas en la parte trasera del propio calendario. Para ello, es necesario quitar el tornillo situado en la cabecera y cambiar la hoja a la trasera del soporte.

El objetivo es crear un calendario muy visual, con grandes números y espacios en blanco para poder escribir notas, una base muy sólida para ubicarlo en cualquier sitio sin miedo a su caida y una ligereza notable que por contra no le reste equilibrio.

Un calendario prácico, sostenible y con un estilo inconfundible.

Marca de la casa.

Guy Laramee lleva más de 30 años desarrollando su faceta de artista en diferentes materias y ganándose a pulso todos los reconocimientos que le son otorgados. Hasta el momento, ha ejercido labores de escritor y director teatral, escritor de música contemporánea, diseñador y fabricante de instrumentos musicales, cantante, ha elaborado video, escenografía, es escultor y también crea obras de pintura y literatura. Su trabajo ha visitado muchos lugares del mundo como Canadá, Estados Unidos, Bélgica, Francia, Alemania, Suiza, Japón y América del Sur.

Entre este elenco de actividades nosotros nos quedamos con su faceta de escultor porque no hablamos de esculturas al uso, sino de trabajos realizados empleando libros como soporte. Algunos ejemplos:

Un trabajo metódico y creativo donde el artista erosiona el papel de las hojas de los libros hasta conseguir dar forma a auténticas obras de arte que muestran paisajes, cuevas, espacios sagrados... todo con un realismo sobresaliente, incluso, sin lugar a dudas, dependiendo de la cercanía de la cámara fotográfica pueden parecer perfectamente espacios reales.

Si bien el arte de esculpir es uno de los principales ingredientes de estos proyectos, no queda atrás el sobresaliente manejo de la pintura y su capacidad para crear sombras, formas, luminosidad, efectos visuales difícles de alcanzar. En cambio, Guy Laramee es un perfecto conocedor de esta técnica.

Otro aspecto interesante es la proporción de las esculturas, la escala está perfectamente estudiada para que los edificios, las montañas, los ríos, muestren en su conjunto un efecto de grandes dimensiones, generando profundidad, altura y distancia. No debemos olvidar que se trata de libros y que los detalles son milimétricos, de ahí que la destreza en la elaboración de la obra es importantísima.

¿Qué respuesta dará Guy Laramee cuando le propongan o regalen libros para leer?

Hará un par de meses estuvimos pasando unos días en la fabulosa ciudad de Londres, cuna de estilos, tendencias y modas que pronto se exportan al resto de países del mundo entero.

Caminando por una de sus largas avenidas nos detuvimos ante un escaparate que nos enamoró desde el primer momento que lo vimos. Correspondía a la tienda Hermès y llamaba la atención no por sus productos exactamente, sino por la decoración y puesta en escena:

Hermès es una reconocida firma de ropa y complementos de elevado precio con establecimientos en las calles más prestigiosas de las principales ciudades del mundo. Mediante el concepto "hecho a mano" o handmade la firma aporta valor a sus productos y "justifica" su alto coste. Y lo más importante es que consigue transmitirlo con este tipo de puestas en escena, donde los protagonistas son los hilos y los clavos o alfileres y, por supuesto, mucha mano e imaginación.

El resultado destaca por una calidad y acabado sorprendentes y alcanza una serie de objetivos como captar la atención del viandante, dar un valor añadido y sentar las bases de elegancia, estilo y artesanía de producto.

Casualmente esta semana hemos encontrado unos trabajos que nos recuerdan mucho a los escaparates que hemos visto, hasta el punto de plantearnos si corresponden a la misma artista. Su nombre es Debbie Smyth y su trabajo emplea hilos y puntas con unos resultados excepcionales:

Debbie Smyth abarca diferentes temáticas en sus obras desde personas, animales o cosas a rótulos, murales, cuadros, estuches, escaparates, ilustraciones, etc. Todo un elenco de soportes donde demuestra una habilidad innata para este tipo de manualidad y una creatividad y originalidad fuera de toda duda.

Estos son algunos ejemplos más de su trabajo:

Tal vez la tendencia sea volver a los trabajos artesanos y las manualidades como valor añadido de producto. De hecho, cada vez es mayor la aparición de este tipo de artistas como consecuencia de la demanda por parte de las empresas que quieren vender sus productos o servicios incluyendo esta carta de presentación.

Manuel Martí Moreno es un joven valenciano que vive dedicado a la escultura, y es una de esas personas que consigue hacer arte, es decir, es capaz de transmitir sensaciones, sentimientos, estados de ánimo, y amasarlos para concluir en una composición artística.

Estas esculturas son ventanas o umbrales por donde asomarnos hacia el interior intangible de la mente humana, hacia esos mundos del subconsciente que tanto respeto generan.

Para ello emplea con maestría materiales como el hierro, terracota, madera, bronce...

Analicemos a continuación algunos de sus trabajos porque merece la pena embriagarse con su talento:

Estas esculturas están realizadas en hierro y son fieles retratos de los modelos naturales. Es como si el hierro se colocara sobre la piel de los modelos y de ahí se obtuviera un molde perfecto. La figura del hombre da la sensación de irse consumiendo a cada paso que da, va dejándose la vida en el camino, o la vida le va dejando a él.

La tela metálica simboliza la naturaleza humana. Manifiesta todas las actitudes de los seres humanos: la agresividad, la ansiedad, la ira, los sueños, la sensación de vacío interior, la soledad… Se adapta al estado de cada uno, es flexible.

Esta obra se titula "Ausencia" y describe perfectamente los sentimientos que definen esa situación. Una mueca de tristeza, de derrota, el efecto de aparecer y desaparecer del rostro, la postura cabizbaja y cierta melancolía. Todos ellos son factores que muestran físicamente algo intangible. Esta es una de las principales virtudes de Martí Moreno, transformar y hacer visibles en sus obras pensamientos, sensaciones, ideas, elementos harto complicados incluso para describir con palabras.

Las palabras escritas en este rostro son intrínsecas, son palabras que piensa su protagonista, le hacen reflexionar, meditar. Parece como si las palabras que mejor definen nuestra vida fueran escritas en nuestras caras como símbolo de su importancia y relevancia. Los ojos cerrados como muestra de templanza y serenidad, seguros de lo vivido y sin miedo a lo que resta por vivir.

Momentos y estados llevados al arte.

Cuántas veces hemos deseado poder retratar el movimiento a través de una fotografía o instantánea, con la consiguiente decepción por no obtener el resultado deseado. El problema es que el objetivo de la cámara tiene serias dificultades para fijarse en la imagen.

Cuando realizas dibujos sobre papel ocurre el mismo problema, a no ser que realices varias secuencias de un movimiento en diversos dibujos y luego solapes unos con otros.

Kang Duck-Bong es un verdadero maestro en darle forma a ese movimiento. Sus únicas herramientas son una serie de tubos de pequeño diámetro fabricados en material de PVC y una serie de pinturas para dotarlo de gama cromática.

No sólo refleja movimiento sino que además aporta velocidad, dinamismo, incluso transmite sensaciones tales como el esfuerzo, dificultad, equilibrio. El efecto lo consigue gracias a las disposición de los distintos tubos y sobre todo gracias a la coloración de los mismos, de forma que las partes retrasadas de los tubos siempre tienen un color más palido que las de delante. EL resultado salta a la vista y muestra su objetivo fielmente.

Muchas veces con sencillas cosas se consiguen los efectos más difíciles, simplemente hay que tener visión y cierta lógica.

La exposición de este artista coreano tiene lugar en la galería 4Walls en Corea del Sur

En muchas ocasiones vemos lo que nos rodean como algo natural, sin ir más allá, pero no reparamos en que nuestra visión es muy limitada y donde no nos alcanza la vista existen auténticos mundos habitados por elementos, seres, que escapan a nuestra percepción.

Exactamente ésto lo que ocurre en el trabajo de Heinz Maier quien, gracias a las técnicas fotográficas de alta velocidad, descubre un nuevo y asombroso universo relacionado con los líquidos y las gotas de estos al caer e impactar contra otro objeto.

Los resultados son geniales y la disposición del color, la luz, la simetría, el movimiento, caraterizan virtuosamente estos momentos casi mágicos.

Ninguna gota dibuja el mismo efecto una vez ha impactado con otro liquido, siempre las formas son distintas. Es la magia de estas creaciones, en función de la densidad de los líquidos la altura de las gotas, su expansión, el color, varía indistintamente. Cada una de las imágenes nos recuerda a una planta o alga marina, más aún, se asemejan a las medusas de mar o los denominados peces abisales con formas traslúcidas y practicamente desconocidas hasta el momento.

Heinz Maier emplea agua con colorante, enjuages bucales, flashes teñidos con geles de colores, todo lo necesario para añadir vistosidad al conjunto.

El líquido que actúa de soporte realiza al mismo tiempo la función de espejo, consiguiendo generar una imagen simétrica que acentúa más la elegancia y luminosidad del impacto.

Tal vez pensemos que para desarrollar este trabajo hace falta un gran laboratorio y mecanismos de ultimísima generación, pero Heinz Maier demuestra que con un flash electrónico y mucha mano es posible conseguir estos increíbles resultados.

Estamos acostumbrados a ver la luz del sol en un país como España, donde el verano es caluroso y las horas de sol largas. Si nos desplazamos a zonas como el Mediterráneo, las Islas Baleares o Islas Canarias, encontramos emplazamientos que enamoran a primera vista precisamente por esos paisajes donde el sol es el protagonista, con sus diferentes tonalidades en función de la franja horaria.

En Islandia, situada al sur del Círculo Polar Ártico, los veranos duran apenas mes y medio y el sol nunca llega a ponerse, es decir, permanece visible practicamente las 24 horas del día. Este es el motivo por el que se considera uno de los lugares más exclusivos del mundo de obligada visita, en especial para los fotógrafos y profesionales de la imagen.

Antes de explicar y alargar estas líneas es mejor deleitarnos con el siguiente video:

Además de que el tema musical elegido es perfecto ("The World is Our" por This Will Destroy You), el resultado es un cortometraje que genera emotividad a raudales. La transición de las luces, el movimiento de los rayos del sol, los instantes espirituales con la iglesia y el cementerio, la sinuosidad de las praderas peinadas por el viento o el movimiento de las olas a lo largo de la costa... todos son elementos que aportan un misticismo, una atmósfera de lugar exclusivo y único.

Este corto de Joe Capra transmite un enorme positivismo. Idealizar, relajarse, soñar, volar a paraísos remotos a través de imágenes bellas, silenciosas, dinámicas.

Momentos como el reflejo de la montaña en el agua, las cimas rocosas color arcilla, el verde esmeralda del mar, los fucsias y dorados del cielo, los turquesas de los pedazos de hielo flotando... todo un abanico de colores, sensaciones, mensajes, sonidos, situaciones y siempre con la luz del sol como protagonista.

¿Quién dijo que en el Círculo Polar Ártico no salía el sol?